hello大家好,今天小编来为大家解答以下的问题,新媒体艺术展览,很多人还不知道,现在让我们一起来看看吧!

新媒体艺术展览是当代艺术领域中的一颗璀璨明星,它以其独特的表达方式和技术手段,吸引了广大观众的关注和喜爱。这种展览形式将传统艺术与科技相结合,打破了传统艺术形式的束缚,给人们带来了全新的视觉享受和思考方式。

新媒体艺术展览

新媒体艺术展览通常包含多种艺术形式,例如数字艺术、虚拟现实、互动装置等等。通过数字技术和电子媒体的运用,艺术家们能够创造出更加丰富多样的艺术作品,并将观众与作品之间建立起更加紧密的互动关系。观众在新媒体艺术展览中不再是被动的观看者,而是能够与作品进行互动和参与的主体。这种互动性带来了观众与作品之间的共创性体验,使观众能够更加深度地理解和体验艺术作品所传递的信息和情感。

新媒体艺术展览还能够为观众带来全新的感官体验。通过虚拟现实技术和互动装置,观众能够身临其境地感受艺术作品所营造的场景和氛围。这种沉浸式的体验使观众与作品之间的距离更加接近,产生了强烈的情感共鸣和共鸣。

新媒体艺术展览还为艺术家提供了更多的表现空间和创作可能性。传统艺术形式受到时间、空间和媒介的限制,而新媒体艺术展览则具有更大的自由度和灵活性。艺术家可以通过新媒体技术实现他们的创作理念,并将其以独特的方式展示给观众。

新媒体艺术展览不仅改变了人们对艺术的认知和理解方式,还为观众和艺术家带来了全新的艺术体验和创作空间。它不仅是当代艺术的重要组成部分,也是推动艺术发展和创新的重要力量。随着技术的不断进步和创新,相信新媒体艺术展览会在未来继续创造更多的惊喜和突破,为人们带来更加精彩纷呈的艺术盛宴。

新媒体艺术展览

最具浪漫气质的作品

作品名:十六只鸟

艺术家:基口·迈克马赫特里/ 无定型机器人作坊 (美国)

材料: 机器人装置

作为第一个“无定型机器人作坊”膨胀技术的多重雕塑装置,“鸟儿们”通过对动作、图像、比例和声音的研究体现出对生命循环的沉思。十六个巨大的白色编织物好像是简单线条勾勒出来的鸟,又像是一只蝙蝠柔软而无生气的萎缩残骸,或者是经过时间侵蚀的棱纹建筑物遗迹。当参观者走近,这些枯萎无生气的东西就会逐渐充气膨胀,加长变大为锥形,舒展成优美丰满的羽翼。

它们的固定旅程是:由伺服机控制的空气囊鼓动产生缓慢而优雅的拍打动作。一系列的多次拍打动作形成一种持续而有节奏的微风声。在短暂的飞行后,这些鸟儿走到了它们生命的尽头,从其顶端开始放气,萎缩成原来的状态。

《十六只鸟》的艺术家来自美国。他拥有一头乱发并需要安静的环境来思考作品。

如果读者中有曾经在美术馆看过这个作品的话,会搞不清楚为什么作品名称是《十六只鸟》,但是现场只有十五只鸟,另外那只鸟在展厅的任何角落都找不到踪影。关于这个作品最有趣的一个幕后话题是,其中一只鸟在运往中国的路途中神秘消失。

最具未来感的作品

作品名: 行走的头

艺术家:Stelarc (澳大利亚)

材料:机器人系统

这是一个直径为2米的自控交互式行走机器人。它有六条腿,垂直安装在其底盘上的液晶显示屏由计算机成像显示出人头像,象征“头脑”。头脑可以向各个方向转动,以配合所显示的头像动画。机器人带有超声波扫描传感器,可以感知是否有人从它前面经过。无人经过时,它会坐在原地不动。一旦有人进入展示空间,它就会站起来,从预排程序库中调出一些动作指令进行几分钟舞蹈表演,然后停下来直到再有人经过。机器人活动的舞台直径约为4-5米,其传感系统会探测它是否已接近舞台边缘,使它及时退回转向。这是一个真实-虚拟并存的系统,其机械腿的动作是真实动作,而其显示屏中面部表情的点头、转动、倾斜、眨眼等则是虚拟动作。通过压缩空气的旋律和机械声音,行走的头也可以发声。该机器人还可以通过基于网络的三维模型来驱动,由运动图像菜单来控制其具体动作。整个机器人是以压缩气作用作为运转动力的。

《行走的头》的创作者,艺术家Stelarc,也是媒体报道的《六腿机器人让您开眼界 》的创作者,向我们展示他的另一件作品《手臂上的耳朵》,这个耳朵内部装有蓝牙耳机,可以“听到”我们的对话。

最具神话色彩的作品

作品名: 铁床贼之路

艺术家:让.迈克尔.布鲁约尔 (法国)

材料: 电子机械床装置

(达玛斯忒斯(Damastes)是希腊神话中的著名强盗,外号铁床贼;)

“铁床贼之路”是一件雕塑作品,由21架白色的医用床及悬挂在其上面的21根荧光日光灯管组成。这些床在计算机的设定和同步操作下处于一种永远舞动的状态。它们在表演一场芭蕾舞剧。

每张床都配有一个剪式千斤顶,使床的垂直运动幅度能从距地面38厘米到81厘米。床的上面还装有控制位置的机动装置,可以使床垫某一部分的旋转角度达到0-70度。其垂直运动和旋转运动既可以同时进行也可以分别完成。

这21张床由一个个人计算机的数码音响系统连接在一起。计算机可发布并同步其运动程序指令。床可以独舞也可以群舞,从而上演着场面宏大的芭蕾舞。床下面的格架在舞动中发出变化多端的吱吱声,恰好组成了这场芭蕾舞的配乐。

“铁床贼之路”所安置的房间将全部铺满厚厚一层枯萎的叶片,并通过定时喷雾来保持其湿润和芳香。除了其审美意义和隐喻性之外,这些叶片也能遮盖住每张床下的电路控制系统。

根据装置展出的空间条件,床可以摆成一行、一圈或是其他队列形式,但总是严谨而有规则地连接在一起(床间距根据其条件限制可以在90-115厘米的范围内)。

床上配有床垫、枕头、床单、枕套以及白色的毯子。

荧光灯管悬挂在每张床中心上方2.10米处。它们和床一样按照非常精确地方式排列。

最富情感的作品

作品名:因缘

艺术家:昆特·亨特斯莱格尔 (奥地利/美国)

材料: 沉浸式虚拟现实装置

这是一个“有生命”的环境,一个渐变的视听装置。作品呈非线性展开,冥想的宁静紧随着混乱与骚动。看似不适且颤抖晃动着的三维人形悬浮在空间内,彰显出这个装置的活力,其运动制造出一种嗡嗡作响的声音效果。这些三维人形像木偶一样悬挂在绳子上,在注入亲切而又暧昧的人类生活意识之后,它们就像傀儡一样在绳子上乱舞。

“因缘”(Karma)一词恰好也是多人电脑游戏“虚拟竞技场”中一个物理仿真体的名字。“虚拟竞技场”或是“三维实时装置”中的“因缘”都描述了对重力或动能力等物理法则的模仿。

在“因缘”/细胞中,三维人形的运动和动作由一个附加的声音软件合成,它们在空中合成一条动态声轨。在多个人形构成的交响乐队中,每个人形都是其中的一个乐器,他们各自的“运动和情感”变化,形成了多层音效空间。无论是三维人形动态的实时组合还是其音效建构,在艺术家为它们设定的脚本内,都能够展开变化万千的情感表达。

最拓展视听的作品

作品名:声音绘画

艺术家:金基哲 (韩国)

材料: 互动装置

声音是作品中的要素。由于声音无法被观察到,它作用于大脑不同于视觉感受的部分,通过作品,艺术家在寻找一种方式“看”声音。想法源自佛教的《莲花经》 。

原意是说:当我们正在遭受苦难,我们讲avalokitevara菩萨的名字,他便可以听到,并帮助我们达到涅槃。艺术家从2001年开始试图所做的作品皆具有“观音”的含义。这种风格的作品创作告诉我们菩萨的名字。 avalokitevara菩萨的名字翻译成韩文是kwan eum ,意思是“观音”。

声音绘画

通过思考为何我们不能描画声音、怎样才能描画声音,艺术家的答案原来是如此的近在眼前:铅笔和电阻器是同样的工具,那意味着只需赋予铅笔以电阻器的功能。声音是纯正的正弦波,声音并不酷,但可以感受到这种原始的真实感……

最全球化的作品

作品名:地书

艺术家:徐冰 (中国)

材料: 互动装置

《地书》是一本可读的小说,是用徐冰几年来搜集整理出的一套“标识语言”写成的。读者不管是何种文化背景,只要被卷入当代生活,就可以读懂它。通过这本书的“字库”软件,使用者将英文句子打入键盘,电脑即刻转译成这种标识语言,既起到《字典》的作用,将来也会有实用价值。

观众可以在电脑屏幕上看到转换为标识的对话

在艺术家看来,艺术重要的不是它象不象艺术,而是能否提示一种新的看事情的角度。从二十年前的一部叫《天书》的作品创作开始,称它为“天书”,因为世上没人能读懂;用这套“标识语言”,艺术家又写了一本让说任何语言的人都能够读懂的书——《地书》。这两本书有共同之处:不管你讲什么语言,也不管你是否受过教育,它们平等地对待世界上的每一个人。

《地书》的作者,艺术家徐冰和助手在电脑前观看标识语言的对话

最铭记于心的作品

作品名:不朽的使命—石棺

艺术家:etoy 小组 (瑞士及其他多国)

材料: 集装箱,发光二极管装置

这是网络艺术先驱etoy小组的最新作品,并宣称是信息技术数字时代的后生命崇拜。自2004年以来该项目就在不断推进,涉及有关存在的主题,诸如守恒与失忆,未来、现在和过去,以及生命和死亡。作品大胆地将这些主题植入数字交流和信息技术的时代无疑是具有挑战性的。

不朽的使命—石棺

通过运用数字媒体技术,使所选择的“飞行员”在肉体死亡后仍能够在时空旅行中得到永生。在“奥秘胶囊”中存有飞行员的综合信息数字化肖像,从而使他们虽死犹生。肖像由多种元素组成:附加了诸如姓名、出生日期、家庭和法律关系等标准信息,还有遗嘱、合同等法律文件。更进一步的信息深入洞察到“飞行员”的生活:他(她)的传记、消费模式、社会关系网图示。作品的可视部分包括多种数字照片:“飞行员”本人各时期的生活照、亲友照片、以及360º扫描的全息肖像,还有录影胶片及会面场景。这些信息中也有音频部分,诸如本人的声音采样、亲友的声音、最喜欢的音乐等等。而根据发送时间表进行讯息储存等内容也包括在这个计划之内。如果“飞行员”本人希望的话,甚至还可以储存他们的骨灰。

作品既出人意料又富吸引力,它糅合了些许无政府主义的音调,且忽略了目录或论文等固有程式——但这具情感飞行器仍然会带给人深深的触动。

《不朽的使命—石棺》刚刚运至美术馆前广场

最令人驻足的作品

作品名:接触我

艺术家:blendid 创作团队 (荷兰)

材料: 互动装置

参与者可以通过这个互动装置,创造出个人图像,并且将其展示在不同的公共场所中。装置的尺寸可以变化,从而记录并且展示完整的人体尺度。在互动中,参与者将身体的某个部位或者其他物体与磨砂玻璃表面接触,互动的结果是玻璃板会留下某些烙印,继而创造出图象。图像会作为玻璃板的一部分被保留下来,在没有其他互动的情况下展出一段时间,供大家参观。

《触摸我》的艺术家投入的在自己的作品前留下影像

参与者从互动过程中体验到乐趣,而他们所创造的额外印记还会被永久保留下来,作为作品的一个部分。

最亲密的作品

作品名:亲密的交流

艺术家:Transmute (澳大利亚)

材料: 互动/远程通信/机器人装置

这是一个令人兴奋的新式交互装置,可以使身处异地的两个人同时以身体动作互相交流。每个参与者需要使用一种叫做“身体板”的物理界面。通过在这个“巧妙的家具”上轻轻移动他们的身体,他们之间就产生了“亲密交流”。由数字肖像、多波段声音和触觉反馈所创造的“世界”就这样在“亲密交流”的影响下展开。

《亲密的交流》的艺术家们在布展现场有序的分工合作

尽管参与者身处异地,不能直接看到或听到对方,但这种共享体验可以使他们逐渐形成相互间感官的亲密关系。在作品生态系统中,参与者被聚焦于理解相互作用和相互关系的焦点上。

最亲近大师的作品

作品名:电脑空间的最终审判

艺术家:缪晓春 (中国)

材料: DVD投影,全境灯箱装置

绘制于1536年到1541年的罗马西斯庭大教堂壁画,是西方艺术史上最重要的作品之一。蓝色背景上分布着一系列如群星闪烁般的人物形象,在当时是十分少见:飞动的天使和十二门徒环绕着极具古典美的耶稣。画的前景上并没有突出宗教气息;相反,米开朗琪罗着力描绘了每个人物的动态,彰显出其艺术大师的风范。

新媒体艺术作品《电脑空间的最终审判》正在布展

缪晓春为作品注入了迷人的魔力,根据自己的身体创作了电脑雕像,并以其置换米开朗琪罗画作中的所有人物。他严格遵循原作中的视觉结构,在虚拟空间中安排这些替身。通过娴熟地运用数字技术使米开朗琪罗的画作透明化,并在其中打开了五个不同的透视点。这一技术使艺术家能像游客一样在作品中漫步。通过探索“绘画中的人物看到了什么”、“壁画中的角色看到了什么”,从而为观众提供得以窥探此中奥秘的视角。

最有趣的作品

作品名:生动的厨房

艺术家:Stefan Doepner, Jan Cummerow (德国)

材料: MIDI驱动系统

世界在很大程度上是由机器构成。我们使用这些“黑盒子”比用最简单的工具,如铅笔或锤子更顺手。技术开发的复杂性,机械和电子的日常设备并没有进入我们的观感。在系统的背后,创造过程和条件,是没有透明度的。这个论题贯穿于发展和发明应为我们服务,让我们使用的设备简单、有效。

“生动的厨房-快乐的21世纪末”提供观众探讨他/她自己的日常生活中自动化和生活义务的机会:在瞬间内平凡的环境会产生审美的情感。作品通过将一个标准化的厨房配备无所不有的设备和工具,所有设备运作到一定程度,厨房家具及家居物品便具有了自己的生命;使他们自己诗意的发出声响,而且不断强化好像要脱离其环境。但是它们的功能并非是通过使用来产生,它们有自身的活力。有如一个乐队,厨房设备、工具和箱子、椅子、桌子有节奏的跳跃。然后它们的动作逐渐放慢,灯光变暗。

最晕眩的作品

作品名:你在哪里?360度全景

艺术家: 卢克·库彻斯恩 (加拿大)

材料:实时三维控制系统装置

置身于作品中,观众如同在梦中飞翔,穿过一个多维的世界,在过去与未来之间穿梭,在明亮与黑暗之间游走,在私人与公众之间转换。沉浸通过一个操纵杆在X,Y和Z三个轴中调换,进入一个以等级衡量的信息/体验空间。

处在等级0的时候,世界是一个简单的空间,犹如航海时用XYZ三个坐标定位。处在等级+1的时候,世界变成了一个混合体,充满了图片、声音、文章以及作品创作者的物品。当到达+2的时候,就进入了一个“分子”化的世界,各种物体都变成了微粒,自然构成的光影组合而成了世界,让人回想起19世纪印象主义对世界的看法,同时也孕育了抽象主义的雏形。当继续上升至等级+3时,展现在观众眼前的是庄严的山川幽谷的风景,充满了18世纪独特的绘画思维格调。

处在任何等级中,观众都将遭遇到其他的居住者:有远程设备连接的活生生的事物(如果启动的话),有提前录制好的展示在视频窗口的事物,参观者还会遇到他们自己——隐藏的摄像机会将参观者的图片融入这个构造出来的世界中。 在这个作品中,主体(演员、观众、参与者)控制了自身的状态:他/她的位置、他/她的行走路径以及速度,或许会更为有趣的是,可以决定他/她将在哪个等级中“生存”。

最好玩的作品

作品名:飞艇攻击

艺术家:知识机器人研究小组 (瑞士)

材料: 互动装置

“赤身人/在此,亦不在此/白色至上”表述的是在一个假想的关押地点,嫌疑人的公民权利或其战俘的法律地位被悬滞。在互动装置中,克里斯蒂安·胡伯勒,亚历山大·塔查塞克和伊冯·威廉共同创造了一个无可名状的流动权力的随意空间。进入房间内,参与者被一群黑色气球环绕。银色飞艇徘徊在头上,非常脆弱并轻如鸿毛。飞艇装有一个具有方向感的照相机,不断向四处扫描。相机的程序设定为跟综距离最远的一个气球,但同时也对人身作出反应。回避飞艇的袭击是很容易的,但是我们尊重它脆弱的科技,不愿予以还击。这个不知疲倦的,被叫作 白色至上 的匿名攻击者,使人感到畏惧,有时亦颇为滑稽。

在这种让人感到压抑的环境中,一个匿名男声不断重复着一句话“赤身人/在此,亦不在此/白色至上”。它带有指挥的语气,第二个声音回答赤裸裸的强盗。通过这种方式,装置暗示囚犯被剥夺了一切权利时的地位,他们在这里 是非常真实的。但他们法律上的存在是被否认的不在场 。

房间还有电脑显示器敦促观众的介入。按下按钮逃脱指示是模糊的。艺术家利用软件代码作为创作媒介,设计并模拟数字行为,而不是人物或形象。程序不仅可以重新启动,还可以改变自身,使“白色至上”失去控制功能。如果有足够的观众采取主动,程序会引发打断男子独白第三个声音:“赤身人/在此,就在眼前”!结束赤身人的语言徘徊,白色主权的马达停止。

最数字时代的作品

作品名:信息漩涡

艺术家:克里斯托夫·希尔德布朗德 (德国)

材料: LED 网络装置

以2000年在凯马博物馆参展的“矩阵”,2004年欧洲多媒体美术展的“词汇”,和2006年在格罗宁根·屈米博物馆的“意味”为基础。 作品由210 个带有各种图标的LED嵌板组成以展示全球社会、经济和科学的表征,形成一个21米长3米高的大屏幕。

“信息漩涡”运用LED,使每个嵌板看似一个能展示不同文字的流动电子招牌的一个像素,文字和图标的混合创造出不停的对话并形成的叙事的一个场景。

最喧闹的作品

作品名:zgodlocator/version zII

艺术家:赫维戈·怀瑟 (奥地利)

材料: 电磁影像雕蒴

装置是根据计算机硬盘上的磁原理来组合带有磁性的金属微粒。这些微小的金属颗粒实际上是磨碎的电脑零件:电路板、硬盘驱动器、处理器、监察器屏幕,等等。这个磨碎的硬件沙尘被铺放在可以突然引发转变金属微粒的电磁格段上。他们产生磁刺激反应形成的奇异和突发性雕塑似的变形。这些颗粒看起来就像是黑色金属材料,如此美丽。观众还可以通过旋转表盘来改变产生的图案。颗粒状的计算机网格,一次又一次形成新的惊奇和不断变化的形状。不像电脑硬盘,zgodlocator/版zii并不关心长期存放文本或图像。它的主题是动态模式。如果有记忆,也是很短和随时变化的。在zgodlocator中,磁性成为一个存放处,并是操纵和处理信息原始形式的地方。作品的意图可能是强调发生在一个电脑环境中不断再生的信息。它同时用微妙的方式结合视觉和音响效果。各种各样的麦克风和电磁感应器设在电子土壤中捕捉硬件的声音。作品中的程序编码把原始的音频转换成图形,化为颗粒景观。

最具游戏感的作品

作品名:北京加速器

艺术家:马尼克斯 (荷兰)

材料: 互动装置

艺术家在访问北京后感受到北京飞速的变化,体会到一个加速迈入现代化城市的活力。 北京加速器所面对的正是速度对现今城市生活的影响,从这个意义上讲,它类似于一个以前的作品:全景加速器。 但是北京版通过优越的设计增强画面感,使观众的体验更为直观。

作品与身体和视觉感知产生一种游戏关系。参与者坐在装有操纵杆的电动转椅上,面前屏幕上显示出北京的全景,随参与者的方向与速度旋转。在旋转时,参与者控制坐位的方向和速度,如果与画面无法同步,人体平衡系统将发出不同的信息到大脑和眼睛,会导致激烈的失控感觉,并最终导致恶心。但其目的是使动态影像与坐位的旋转速度一致。一旦达到这个目标,参与者可以查看没有失去方向感和不令人恶心的图象。不过在很短的时间内,一个新的景色会用更高的速度设定旋转。游戏变得更难以取得平衡及看清图片。游戏总共由六个级别组成。

最捕风捉影的作品

作品名:拿走

艺术家:大卫·洛克比 (加拿大)

材料: 互动装置

该作品由两部分展示组成,两个庞大的投影出现在一面墙上。在展览空间的左侧,系统从地面以及墙面等多个角度共同搜捕参观者的踪迹,每隔20秒恢复到原位。20秒内展览空间内所发生的动作通过电脑传输到屏幕上,随后继续重复。众多图像制造出一种混乱的火热场面,既可以被理解成与统计学有关的展览策划(大部分的人选择站在那里?人们会走动吗?),也可以看作是针对每一个参观者的参观纪录。这些图像是高度社会化的,并且是极为混乱的。展览空间的右侧是为参观者准备的目录。展览空间里的每个参观者都被跟踪。他们的头像被放大投影在屏幕上,同时会出现评论他们的形容词(例如“信任的”,“相关联的”,“饥饿的”)。最近参观的200位参观者头像变幻成矩阵,通常是100个头像的矩阵,偶尔会是200个,矩阵以缓慢的速度移动。右侧的这种展示形式是充满解析的,同时也是高度秩序化的甚至让人产生一种胁迫的感觉。

最宏大的作品

作品名:气流声场

艺术家:埃德文·万德·海德 (荷兰)

材料: 声音装置

建筑:NOX

由一组空气阀门组成的作品用来制作风、压力和声音,在观众头顶上产生出类似呼吸的声场。这种奇特的声响是我们周围空气中临时压力变化造成的,而音箱则通常是利用颤动的薄膜来产生这些压力变化使我们感觉到“音响”。在“气流声场”中,压缩的空气被用来生产音响。压缩气体非常快速地通过空气阀门在空中释放。“气流声场”由一个有42个相互独立且可控制的阀门构成一个10x20米的涵盖面。声音和风力在这个面积里以不同的速度、方向和强度交错、穿插。其格式由一种自生的方式生成,是对风的空间动向的解释。观众须自我把握在这一氛围里的位置所在。

尽管每个阀门制造出自己的声音,但观众将会感受到其音响带有一种流动的形状,过程与观看电影相似。电影画面并非单独的系列镜头,而是时间中一连串的动作。作品利用42个阀门运作时的时差,以不同的速度,延缓和重复创造有诗意的音响环境。

新媒体艺术展览目前面临的问题有哪些

1 新媒体艺术的产生及定义 新媒体自从产生以来就一直是个极具争议的话题。新媒体包含的内容很多,可以从媒体统治的时代来划分什么是新媒体什么是传统媒体,也可以从科学技术的发展情况上来区分,因为新媒体的出现是科技发展的必然产物,但无论如何都可以明确的一点是,新媒体是有别于传统媒体的新式媒体形态。随着现代信息传播技术的不断进步,新媒体也随之产生不断变化,并且在人类社会里产生广泛及深刻的影响,人们的日常生活方式、行为方式、思维方式也随着改变,一部分艺术家也越来越多地依靠新媒体对自己的艺术进行阐述和表达。这种新媒体艺术借助高速发展的科学技术,试图从传统媒体中脱离出来,寻求一种全新的表述方式,从简单的叙事变为叙情,从单一的感官感受变成综合性的体验,无论是新媒体还是新媒体艺术,都取得了迅猛的发展。 2 新媒体技术对艺术的影响 20世纪末以来新媒体技术逐渐发展,而新媒体艺术则是利用新技术赋予艺术家新的手段,艺术形式不再是单纯的平面画面或者是立体作品,而是各式各样新式的表现形式,并且大多具有交互体验。这种体验给受众一种全新的感受,不再是单方面的接受艺术家传达的信息,而是可以参与到能够更深刻的体验,这种追求即时效果和互动感受也是新媒体环境下艺术的新的表现特点,作为一种结合了多种表达方式和表现手段的艺术形式,给艺术家的艺术创作也带来了更多的灵感和更广阔的视角。作为不停探索人类新想法、不停突破现有界限、走在大众思维前端的艺术家,将电脑科技等新媒体技术与现有表现手段结合在一起,实现艺术形式的不断创新。 谈到新媒体技术对艺术的影响就需要先了解新媒体所具有几个比较突出的特点: 一是成本低,制作流程比较简单。新媒体环境下的信息制作相比传统媒体更加低成本高效率。传统媒体的信息制作环节十分复杂,先由记者进行前期采集编辑,然后由媒体公司进行后台完善再通过各种渠道发送出去。新媒体却节省了其中很多环节,信息大多借助网络传播,在传播过程中节省了大量的人力和物力成本,不像传统媒体需要依靠纸质的大量印刷或电视广告的大量播放才能达到宣传的目的,对于一般受众来说,接收信息的成本也大大降低,相比传统媒体人们更倾向于免费的新渠道。 二是传播范围广、速度快、信息传达比传统媒体顺畅。新媒体环境下的信息的传播可以依靠自由发达的网络和受众随身携带的客户端来实现,相比依赖纸张的平面媒体、依赖电视的电视媒体、依赖收音机的广播媒体,新媒体可以将各种媒体的优势集为一身,打破媒体自身的界限,将各种技术手段联系在一起,使信息传播的双方都可以得到更加有效的交流。随着互联网及云时代的到来,产生了信息爆炸的现象,人们接收信息的途径也不同于以往,更加简洁明快迅速的接收方式更合乎当下快速的生活节奏。 三是受众体验更良好,相比传统媒体具有交流互动的优势。传统媒体在信息传播的过程中扮演输出的角色,具有交流的局限性,无法很好地和受众交流互动,即使有也不能实时互动,不具有时效性,而新媒体技术不只是单方面的输出,还有双方互相交流的互动,具有良好的时效性、活跃度、新鲜感。 结合新媒体信息传播的特点,艺术家在利用新媒体进行艺术创作的时候也可以尝试相比以往艺术行为的更多的新形式。基于科学技术的发展和社会的进步,人类对自身人性的探索也越来越多,从大工业社会量产的精神需求逐渐转变为强调个体突出个性的精神需求,在这一前提下,能够进行交互的艺术应运而生。人类不再是生硬地单方面接收,而是富有个人情感的交流互动,每个受众个体的不同都会对信息传达的这个过程产生不同的影响,造成不同的后果。相比过去,人们更乐意于表达自己的情感,体验他人的感受,展现不同的样态。 一方面,新媒体比传统媒体更具有客观上的优势,另一方面,在主观层面上受众也更乐于接触新媒体。 艺术家在进行新媒体艺术创作的时候可以借助其信息传播的优势,综合各种渠道,在更多的媒体媒介上进行艺术表达,这种新兴的艺术创作形式给人们日新月异的感受。 3 对新媒体艺术未来发展的思考 随着科技的不断发展和进步,时代也不断的推进,当下社会的主要发展特征之一就是新媒体的崛起。媒体艺术的运用更加广泛更加专业,新媒体给社会生活各个方面带来了各式各样的影响,从事艺术行业应当更加努力学习新的知识以应对不断快速变化的社会,积极主动对现有的生活进行提升和改变,才不会被时代淘汰。 新媒体为艺术带来了全新的科学技术、观念思想、行为方式,也为艺术带来了一些弊端,某些艺术的创作逐渐被大众同化,逐渐变成快餐、简单、无脑,可供思考的空间越来越少。因为对个性的逐渐倡导,人们对自己的喜恶也愈发明确,在选择信息的过程中越来越倾向个人口味。如果无法对信息进行有效的辨别,可能在接收的过程中会因为个人的差异选择更多的垃圾信息,从而在信息传递的过程中无法收获有益的资源。 对科学技术的过度依赖也可能导致艺术本质的偏离,从利用客观事物表达主观情感进行思考变为单纯为表现客观事物的技术样态,从而忽略了人的主观思想的重要性。在这个信息爆炸、各种想法纷至沓来的时代,对与错的界限也越来越模糊,随着技术的进一步发展,甚至机器也会越来越像人类,在虚拟世界中存在的人与在现实世界中存在的人可能愈发分离不清。在这样一个背景下,人类社会发展的标准或目的到底是什么,这又是未来我们需要不断思考的一个问题。 4 结语 在这个新媒体艺术不断发展的时代里,人类的物质生活和精神生活都有了很大的进步,对审美观念也提出新的需求,因此在进行艺术创作的过程,不仅在客观上要合理运用科学技术,也要在主观上摆脱固有的思维模式,从统一、简单的平面角度变为多样、复杂的立体角度。在对新媒体艺术不断开发和探索的过程中,我们可以得到大量有价值的信息,这种与新技术相依相生的艺术形态是社会发展的产物,研究新媒体艺术也是对人类社会的发展过程进行归纳总结。

新媒体艺术展览和应用领域

新媒体主要包括基于技术进步引起的媒体形态的变革,尤其是基于无线通信技术和网络技术出现的媒体形态,如数字电视、IPTV、手机终端等;二是随着人们生活方式的转变,被应用于信息传播的载体,例如楼宇电视、车载电视等。具体有:

1、手机媒体

借助手机进行信息传播的工具。手机媒体真正跨越了地域和电脑终端的限制,拥有声音和振动的提示,能够做到与新闻同步;接受方式由静态向动态演变,受众的自主地位得到提高,可以自主选择和发布信息,信息的及时互动或暂时延宕得以自主实现,使得人际传播与大众传播完满结合。

2、数字电视

数字电视就是从演播室到发射、传输、接收的所有环节都是使用数字电视信号或对该系统所有的信号传播都是通过由0和1数字串所构成的数字流来传播的电视类型。数字信号的传播速率是每秒19.39兆字节,如此大的数据流的传递保证了数字电视的高清晰度,克服了模拟电视的先天不足。

3、互联网新媒体

互联网新媒体包括网络电视、博客、播客、视频、电子杂志等。网络电视以宽带网络为载体,通过电视服务器将传统卫星电视节目经重新编码成流媒体,经网络传输给用户收看的视讯服务;电子杂志是用Flash的方式将音频、视频、图片、文字及动画等集成展示的一种新媒体。

4、户外新媒体

户外新媒体有别于传统的户外媒体形式(广告牌、灯箱、车体等)的新型户外媒体。户外新媒体以液晶电视为载体,如楼宇电视、公交电视、地铁电视、列车电视、航空电视、大型LED屏等,主要是新材料、新技术、新媒体、新设备的应用,或与传统的户外媒体形式的相结合。

新媒体根据使用主体及受众群体的变化,可划分为精英媒体阶段、大众媒体阶段以及个人媒体阶段。

1、精英媒体阶段

在新媒体诞生之初的相当一段时间内,仅有为数不多的群体有机会接触新媒体,并使用新媒体传播信息,这部分人多数是媒介领域的专业人士,具有较高的文化素质及社会阶层身份,因此这一时期是精英媒体阶段。

2、大众媒体阶段

当新媒体大规模发展并得到普及时,其发展历程就进入到了大众媒体阶段。由精英媒体向大众媒体发展,离不开媒介技术进步所带来的传播成本的下降,新媒体以更低廉的传播成本、更便捷的传播方式以及更丰富的信息传播内容成为一种大众媒体。

3、个人媒体阶段

伴随着新媒体技术的不断发展及普及,以往没有占据媒体资源和平台,且具备媒介特长的个体,开始逐渐通过网络来发表自己的言论和观点,通过平台展示给受众,这是个人媒体阶段到来的一个标志。

参考资料来源:百度百科-新媒体

新媒体艺术展览策划思路

设计人员必须明白展览设计是展览工作的重要组成部分,但不是展览工作的全部;必须明白展览设计本不是展出的目的,而只是达到展出目的的手段;必须明白展览艺术就是用具体手段表现抽象的展览意图,而后不能因艺术抹杀展出功能

目的性原则展览策划起始于展览目标的选择,落实于展览目标的实现,体现在每一个设计的细节。遵循目的性原则,设计人员应处理好以下关系:   (1)处理好参展企业和设计者的关系   展览设计要求设计人员不是按自己的思路创造出一件艺术品,而要求设计人员使用技术和创造性反映、表现参展企业的意图、风格和形象,达到参展企业所希望的目的和效果。   (2)处理好艺术和展览的关系   不论使用何种设计技术、技巧,不论采用何种背景(包括展架、道具、装饰),主角是展台和展品,不能喧宾夺主。展览内容不能受制于表现手法,不能突出设计忽略展台、展品。设计好坏不在于花钱多少,不在于是否符合艺术标准,而在于展台能否体现参展企业的形象和意图,能否吸引参观者的注意,展品能否反映出特征和优势。   (3)处理好展览和贸易的关系   展台反映参展企业形象、能吸引观众并留下印象,展品能体现出特征、优势,并能方便参观者观看是成功的设计。如果是宣传展览会,这样的设计便达到了目的。但是如果是贸易展览会,设计还未达到最终目的。在贸易展览会上,展览是开展贸易的手段。展台是参展企业开展贸易工作的环境,展台本身并不是目的;同理,展品是参展企业开展贸易的工具,展览产品本身也不是目的。   (4)理好展览设计与展览其他工作的关系   设计人员必须明白通过设计为参展企业提供其达到展出目的的环境和条件,而且可能还需要协调与宣传人员、广告人员的工作。展览设计的成功在于帮助、支持展出获得整体而不是部分的成功。   2.

艺术性原则展览设计应当有艺术性。展览设计的艺术性表现在几个方面。   (1)展台有吸引力   展台富有吸引力,令人赏心悦目,给人以良好的感觉,使人留下深刻的印象。展台设计有很多因素,需要用艺术手法去组合这些因素,使其能产生最佳的视觉效果和良好的心理效应是展览设计的基本要求。   (2)展台反映参展企业的形象、传达参展企业的意图   如果参展企业是一个大公司,就不能将其设计成摊贩形象;如果参展企业想显示在航空领域的霸主地位,就不能将其设计成航模玩具厂的感觉。设计人员需要有用具体的手段表现出抽象的展览思想。   (3)展台能吸引参观者的注意,引起他们的参观兴趣   有研究表明在充满竞争的、五光十色的环境中,观众对展台的第一眼最关键。这一眼决定展台是吸引了这个观众还是失去了这个潜在客户。因此展台应当引人注目,应当使人产生兴趣。展台的第一作用是吸引参观者注意,并产生兴趣;第二作用是吸引参观者走进展台,仔细观看展品。做设计工作要讲究艺术性,但是应注意避免华而不实。

功能性原则展览设计还应当是功能性的,设计人员在考虑设计外部形式、形象时,也需要考虑内在功能,也就是要为展台的人员和展台工作提供良好的环境和条件。因为展出目的的实现最终要靠展台人员,展台人员的工作效率最终决定展出效果。在舒适、功能齐全的环境里,展台人员可以更有效地工作。   展览设计需要考虑的功能有几方面:   (1)对外功能   展台不仅要展览产品,要吸引客户,还要有利于展台人员推销、宣传、调研,与观众交流、与客户洽谈。所有这些工作都要有相应的空间、位置、设备,都需要设计人员根据需要和条件进行合理地安排。相应的功能区域包括问讯区域、展览区城、接待区域、洽谈区域等要作相应的考虑。   (2)内部工作功能   如果展出规模大,要考虑安排办公、开会等场地。内部工作大相应区域包括办公室、会议室、工具房 (维修间)等。   (3)辅助功能   辅助区域包括休息室、储藏室等。好的展览设计不仅要 “好看”,还要 “好用”,要有助于展台人员开展工作,有助于展出达到目的。

科学性原则展览策划是一个创造性的思维活动,但它绝不是随心所欲的,而是具有严谨的科学性。这首先表现在展览策划要遵循一定的程序:在采取展览宣传行动之前,必须对市场形势、消费者态度、社会环境、竞争对手的情况进行周密的调查研究;根据所掌握的资料和信息进行综合分析,找出问题的关键点,确定展览目标,拟定展览计划及其具体实施方案;最后还要对展览效果进行评估,直到实现企业的展览目标和营销目标。   展览策划的科学性还表现在展览策划是一个众多科学知识交叉融合的过程,在充分运用展览学原理、心理学、传播学、营销学、系统论、控制论等多学科的基础上,借助计算机等现代化的先进技术手段,为参展企业提供进行展览决策的依据和最优的行动方案,以取得最好的经济效益和社会效益。

灵活性原则由于竞争日趋激烈,需求水平和结构不断更新,市场环境变化很快。在这种情况下,即便是一个最适当的展览策划,也会因市场环境、约束条件和影响因素的变化而不得不调整。现代展览策划在一方面体现出其科学性的还具有相当的灵活性。这主要归结于在现代展览策划流程不是一个单向的决策流程,而是一个双向的环流状的决策流程。从最开始的展览调研到最后的展览效果评估,针对市场和消费反应的变化,能及时调整和修正其方案,使得整个展览策划活动能保持充分的灵活性

设计要求1.要和谐,不要杂乱无章   展台是由很多因素,包括布局、照明、色彩、图表、展品、展架、展具等组成。好的设计是将这些因素组合成一体,帮助参展企业达到展出目的   2.要简洁不要复杂   一般人在瞬间只能接受有限的信息。观众行走匆忙,若不能在瞬间获得明确的信息,就不会产生兴趣。展台复杂也容易降低展台人员的工作效率。展品要选择有代表性的摆设,必须有选择,必有所舍弃。简洁、明快是吸引观众的最好办法。照片、图表、文字说明应当明确、简洁。与展出目标和展出内容无关的设计装饰应减少到最低程度。   3.要突出有焦点   展示应有中心、有焦点。展台的焦点能够吸引注意。焦点选择应服务于展出目的,一般会是特别的产品、新产品、最重要的产品或者被看重的产品。通过位置、布置、灯光等手段突出重点展品   4.要明确表达主题,明确传达信息   主题是参展企业希望传达给参观者的基本信息和印象,通常是参展企业本身或产品。明确的主题从一方面看就是焦点,从另一方面看就是使用合适的色彩、图表和布置,用协调一致的方式以造成统一的印象。   5.要有醒目标志   与众不同能吸引更多的参观者,便参观更容易识别寻找,使走进展台的参观者也会留下印象,并在后会被触及回忆。设计要独特,但是不要脱离展出目标和商业形象。   6.要从目标观众的角度做设计   传统的设计,特别是庙宇、宫殿、银行等,强调永恒、权威和壮观。但是在竞争的展览会上,展出成功与否在很大程度上靠观众的兴趣和反应。展览设计要考虑人,主要是目标观众的目的、情绪、兴趣、观点、反应等因素。从目标观众的角度进行设计,容易引起目标观众的注意、共鸣,并为目标观众留下比较深的印象。   7.要考虑空间   设计人员还要考虑展台工作人员数量和参观看数量。拥挤的展台效率不好,还会使一些目标观众失去兴趣。反过来空荡的展台也会有相同的效果。对此,展台面积是主要因素。   8.要考虑人流安排   参展企业也许希望在展台内有大量的能自由走动的观众;也许希望吸引大量的观众,但是只让经筛选的观众走进展台;也许希望记录每一观众的数据也许希望只记录经筛选的少数观众;或者甚至不考虑此工作。展台安排对人流控制管理是关键因素。设计人员在开始就要了解参展企业希望何种人流。   9.展台要易建易拆   10.设计要慎重,不轻易更改   设计时,要考虑周到、全面,设计方案一经讨论通过就不要轻易更改,尤其不要在后期更改,更改可能拖延施工、增加费用、甚至影响开幕。预算常常是矛盾之源。预算和设计之间可能有很大差距。作为设计人员,必须现实地接受预算,在预算内尽力做好设计工作。如果预算不清楚,并不意味没有限度。这很可能造成很多麻烦。如果设计施工开支过多,设计人员应承担责任。要坚持弄清楚预算标准,控制开支,事先安排所有项目及标准,在预算内做好设计施工工作。   三 、展示设计的材料知识   材料类型:木材、石材、金属、玻璃、陶瓷、油漆、塑料、合成材料、粘结剂、五金制品、纺织材料、五金饰品。   1、木材:   A、硬木:柳木、楠木、果树木(花梨)、白腊、桦木(中性)。特点,花纹明显,易变形受损。宜做家具,做贴面饰材,价格高。   B、软木:松木(白松、红松)泡桐、白杨。特点,做结构、木方、抗腐性差、抗弯性差,不能做家具。   C、合成木材料:展览业以合成板为主。   *三合板,三层1mm木板(或叫木皮)交错叠加,常用做家具的侧板及饰面材料(花梨、榉木是如此加工制做而成的。规格,1220x2440mm/20~45元。   *合成板,五厘板,九厘板,用来做结构,可弯曲。   *大芯板,为克服木材变形而生,两层木板中填小木块,根据中间填充的材料不同价格不等。常15~18mm厚,40~60元或120~150元单价。   *木方,统一4000mm长,白松1立方米1200~1500元,红松1立方米1400~1600元,榉木1立方米5000~6000元。   *压缩板,刨花板(用刨花锯末压缩而成),密度板(用更大的压力加胶粘剂压缩,承压力大,用于做家具)。不易于钉钉子,怕水泡潮湿。   *复合板,   2、石材:   花岗岩(硬度最高,花纹细,常用做饰面),大理石(硬度不高,花纹大),青石,毛石,鹅卵石,雨花石。   3、金属材料:   A、铁:   *板材(铁板),厚铁2~200mm;   薄铁1~2mm分冷扎黑铁(黑铁皮,角铁,可喷漆),镀锌白铁皮(防锈,不能喷漆,有花纹)。规格,1200x2400mm,1个厚100元。   *线材,角钢(三棱、四棱)、工字钢(做大型结构)、槽钢(做大 型 结构)、方钢、扁铁,长度6000mm。   *管材, 圆管分为无缝管(成本高);焊管;薄壁圆管,做装饰用,最 小直径16mm。方管,薄壁(2mm厚),做装饰用最小直径12mm,常用 20mm。   *型材,钢筋;钢丝;桁架(圆管或方管加上钢筋)。   B、不锈钢:特点,不生锈,韧性大,强度大,但是价格高。   *板材,白板;钛金板;拉丝板;镜面板;亚光板。规格,1220x2440mm/1220x3000mm/1200x4000mm,厚度0.3~2.5mm,常用mm厚。单价500~600元(1200x2400)。   *线材,圆管;方管。 都用做装饰,价格高。   *不锈钢制品,镜钉,镀镍。   C、铝材:比钢用处广,比钢便宜,轻。   *板材,很少用,强度低,易氧化变黑。   *型材,铝窗,铝门。   D、铜,极少用。   4、玻璃:   A、白玻璃,也叫青玻璃、无色玻璃,4~5mm厚,用做窗户。   B、钢化玻璃,   C、毛玻璃,   D、压花玻璃,   E、玻璃砖、中空玻璃、彩色玻璃、镜子,   F、玻璃雕刻。   5、陶瓷:家庭装修的主角,   6、油漆:   A、油漆,施工工期长,   *硝基漆,硬,质量好,有光泽,干得快,价格高。   *醇酸漆,软,分清漆、有色漆,干得慢。   *稀料,硝基稀料,醇酸稀料。   B、涂料,乳胶漆,亚光,暗槽灯处用乳胶漆。真石漆,模仿岩石质感,能做出浮雕效果。   7、塑料:广泛运用。   A、阳光板,中空,可弯曲有多种色彩,加工简单,受规格限制,价格高, 厚度有8mm、10mm、15mm,长度有3000mm、4000mm、6000mm。   B、有机板,有透明有机板和有色有机板,色彩局限在纯色和茶色,脆,易 脏易损坏,规格1200x1800mm,厚度最薄0.4mm厚,常用2mm、3mm、 4mm、5mm,单价60~70元(与玻璃一样)。   C、白有机板(片),   *奶白片(乳白片),透光,稍黄。   *灯箱片,有多种颜色,透光漫反射。   *瓷白片,不透光,用做贴面。   D、亚克力,透明亚克力(水晶效果),彩色亚克力,亚克力灯箱(价格昂贵)。价格比有机板贵很多,但档次高很多,硬度高,不易碎,透光效果好。   E、塑胶PVC管,比铁管轻,便宜。有灰色和白色,加热时能弯曲,可用弯 头、三通弯头对接。直径最小150mm,最大500mm,常用400mm。   8、合成材料:   A、铝塑板,两层铝皮中间夹PVC塑料,可抗腐蚀。   B、防火板(纸制),最厚2mm,常用1mm。   9、纺织品:   A、弹力布,半透明,多种颜色,可做简单印刷。   B、绷纱,比弹力布更贵。   10、粘合剂:万能胶;大力胶(粘防火板,一桶胶可粘3.5张板,铝塑板,防水)乳白胶(粘木头,忌水);玻璃胶(粘光滑物体,粘力强,防水);瞬间胶。   11、五金材料:钉子   12、五金饰品。   13、喷绘:   A、喷绘布:宝丽布(无弹性)最宽可达5000mm,18元/平米;银雕布 ;网格布(纱网带眼半透明)。   B、写真喷绘,机器小,最宽1500mm,清晰点720点,   *膜基,塑料;灯箱片(直接喷)。   *纸基,背胶相纸,可覆布纹膜、亚膜、亮膜,可粘于KT 板上。

新媒体艺术展览现场

就是网络媒体.也叫第四媒体

人们按照传播媒介的不同.把新闻媒体的发展划分为不同的阶段--以纸为媒介的传统报纸.以电波为媒介的广播和基于电视图像传播的电视.它们分别被称为第一媒体.第二媒体和第三媒体.

1998年5月.联合国秘书长安南在联合国新闻委员会上提出.在加强传统的文字和声像传播手段的同时.应利用最先进的第四媒体--互联网(Internet).自此.[第四媒体"的概念正式得到使用.

将网络媒体称为[第四媒体".是为了强调它同报纸.广播.电视等新闻媒介一样.是能够及时.广泛传递新闻信息的第四大新闻媒介.从广义上说.[第四媒体"通常就是指互联网.不过.互联网并非仅有传播信息的媒体功能.它还具有数字化.多媒体.实时性和交互性传递新闻信息的独特优势.因此.从狭义上说.[第四媒体"是指基于互联网这个传输平台来传播新闻和信息的网络.[第四媒体"可以分为两部分.一是传统媒体的数字化.如人民日报的电子版.二是由于网络提供的便利条件而诞生的[新型媒体".如新浪网.

人类的每一次技术进步都会带来艺术上的巨大变革.比如透视学和几何学的发展影响了文艺复兴时期的绘画,矿物和油料的提纯技术的发展影响了北部欧洲明朗而富有层次的油画塑造风格,机器生产的颜料和光学的研究的成果促成了外光写生和印象派的发展.在20世纪.在艺术和科学技术之间最大的发展就是图像技术对于艺术语言特殊影响作用.

艺术不仅要为社会创造视觉财富.同时也必然要对社会文化进行视觉化的思考.只有这样.艺术才能真正的实现自己的功能.本世纪以来.伴随着流行文化的发展和商业性电视节目的普及.艺术家们开始了对于图像化的视觉接受方式和生活方式的思考.另一方面.开始了用实用包括摄影.电影.电视在内的各种图像技术来从事这种思考和创作.从未来派开始.摄影和现成图像的拼贴就成为了艺术创作的重要方式,从激浪派的白南准开始.电视就开始作为一种新的视觉技术在个性化的视觉创造中得到广泛的应用.

在整个20世纪.摄影和电视乃至电影胶片都被从流行文化改造成艺术创作媒介.摄影本来是记录性和纪念性的工具.而艺术家则从中抽离出了摆拍和拼贴的技术手法.结合图像的本身的客观性.将其发展成为独特的个人叙述方式.从而出现了超现实主义的摄影.辛迪·谢曼的假[电影剧照"和杰夫·沃尔的伪[真实"等等.在录像艺术中.艺术家们结合电视的电子媒介特性.创造出和大众电视节目的不同的[艺术性电视节目".从而出现了白南准的[电视电子画".以及道格拉斯的[延长电影"等等.

二 就像摄影术和电影胶片是上个世纪之交的重大视觉技术发展一样.数码技术是一个新的世纪之交的视觉技术发展.同样.它也必然会影响到视觉艺术的发展.

拼贴和传统的暗房工艺中的多次曝光和多底合成.在技术上己被更方便也更强大的数码影像所替代.数码处理是图形的拼盘.它比起手工时代的暗房*作在技术上更圆熟完美.摄影的力量来自人们对其客观性的信任(尽管事实上他的客观性是可疑的).幻想世界式的数码蒙太奇在因为其貌似客观而获得信任的同时.埋下了无数的机关.吸引了长久和反复的凝视.客观形象摇摇欲堕的危机感带来了真假之间强大的张力.数码影像是拍摄之后对图片的处理.数码影像使得图片的体量变得无限.这样它比传统的摄影走得更远.于是出现了照片装置化.其实巴巴拉·库格所营造的铺天盖地的巨大的图文空间己经是一种装置性的[场".

在录像艺术中.数码技术使录像短片轻松的分享了电影美学的许多成果――各种经典的电影时间处理手段适用于录像.如[闪回"作为逆转时间.激活记忆库存的倒叙手法,慢镜延缓时间以凸显微妙细节的戏剧性,切换中的时间拼接以改变叙事流程.取消因果关系甚至提示同时性的手法,快镜密集地压缩时间缩减事件过程以强化其符号意义等.但录像的时间处理在数字化方式下有着更大的弹性:画中画.多层叠画等各种数字特技所刨造的多种时间维度重叠交叉并行的种种关系.大大丰富了传统电影语言.三维动画造型的介入更是使任何奇思异想却可能成为视觉现实.

伴随着录像和录像装置的出现.互动性开始成为录像艺术超越其他传统艺术媒介的优势.而数码技术的发展在造就了CD-ROM和网络的同时也使原来那种用若干个电视屏幕或者昂贵的投影设备制造的互动性变得更加轻松的得到实现.

今天人们所谈论的多媒体艺术已经比线性演进的电影叙事厉害太多了.结合了视频.声音.文字的超级文本不但可以链接到无穷无尽的其他文本之中.更可以由多种路径进入.这已经使超级文本成了一座迷宫.而它所提供的互动性几乎使无穷无尽的.从目前人们设想的数码多媒体概念来看.今天的多媒体艺术还只是一个粗胚.我们还有更多的可能性去发掘.

多媒体对于艺术意味着综合性的某种复兴.我们知道现代主义时期是各种艺术门类自我净化的擂台.绘画要排除文学性乃至物象成为画布上的一些颜色.最终走到了抽象绘画.音乐要成为激浪派的那种纯粹的声响.摄影中出现了纯影派.古代艺术中.比如大教堂中.壁画.雕塑.管风琴和建筑空间协同起作用.渲染心理氛围的"场"的工作方式看来可能在多媒体中再次出现.就象教堂中的祭坛画搬到博物馆的聚光灯下就不再神秘.多媒体将把各种艺术再次捆绑在一起.营造出不可还原为组合要素的综合体验.

对于多媒体创作所需要的能力而言.传统分科的专业艺术训炼是远远不够的.这使创作成为多学科人才之间的一种协作.再加上我们已经意识到的数码作品在传播中多次再加工的特点.多媒体同样加剧了个人作者的匿名.就象荷马史诗并不是荷马的个人写作一样.我们在电影片尾长长的字幕中己经见识过这种集体创作的力量.另一方面这也可能为达芬奇式的全才的出现提供空间.多媒体艺术是正在出现的数码艺术品种.它吸纳了此前许多艺术方式之长.集图.文.影像.声音和互动性于一体.可述可论.也可以平直地铺陈.更可以单线深入.可能性极为丰富.我们今天所接触到的只是正在形成的冰山的一角.它的潜能还有待更多富有想象力的实践去开发出来.一旦互动性数码多媒体作品置身于网上成为网络艺术时.将大大加强了的观众参与程度.将巨大地改变我们传统的艺术概念.今天出现在网络上的艺术品绝大多数还是落后于网络本身的东西.你打开网上跟艺术有关的站点和主页.看到的还是油画.国画.雕塑.可这些东西都还不是真正跟网络般配的艺术.网络艺术当然应该是多媒体.当然必须是互动的.链接着无穷无尽的东西.

三 美国著名的文化理论家丹尼尔·贝尔曾经说过.从20世纪的下半期开始.人类已经由以读和写作为接受知识的主要方式.转变为以看和听作为主要的方式.尽管作为新保守主义的代表人物.丹尼尔·贝尔对于看听文化禀持着怀疑和批判的态度.但是显然从文字阅读转向图像阅读已经是一个不争的事实.电视.电影.网络和集声音.图像和文本为一体的电子读物的出现无疑会对人类的知识结构.认知方式以及行为方式产生重大的影响.伴随着全球化发展的必然趋势.中国在改革开放以来整个社会的文化传播方式也以一种加速度在向图像化方面发展.

文化和艺术的社会功能要求我们必然对这种图像阅读的潮流作出回应.回应的方式无怪乎有两种.一种是技术和视觉样式上的开拓.一种是用艺术的方式和视觉艺术的理论对图像阅读的时代特征进行思考.并将这种思考用符合这个时代视觉接受方式传达出来.因此.将数码影像艺术引入到当代艺术中来便具有特别的意义.艺术家对数码媒体的参与.往往凭借着丰富的艺术资源.所有的这些都能为数码技术在纯艺术和应用艺术上的运用提供新的可能性.他们的时间必然和商业性的数码技术公司有着积极的互补意义.和受市场制约的商业性数码技术公司相比.在艺术家的时间有着一定的前瞻性.探索性和学术性.艺术史中已有的艺术资源能使数码技术制造出更丰富.更奇特的视觉成果.满足着日益增长的社会精神需求.丰富着我们的社会生活.另一方面.数码技术作为一种艺术表现手法.同时运用在视觉艺术和实用艺术之间.所以在将数码影响纳入到艺术时间中来无疑是这两者之间的一个交换管道.它能有效的将纯粹个人的视觉创造有效的转换成社会性的视觉产品.同时又能将社会中已经出现的视觉现象系统和有效的转换成个人视觉创造的资源.

我们今天所说的高新技术.事实上是一个相对概念.即每一个时代都有自己时代的高新技术.新石器对旧石器而言.就是高新技术,青铜器对石器而言.就是高新技术,煤铁对以往而言.就是高新技术,工业化对它以前的时代.都是高新技术,而信息技术.对以前任何历史时代而言.都是高新技术.所以.所谓高新技术.就是人类在发展中.不断发现.发明的.比之以往更优越.更实用的技术.

● 新媒体艺术在欧美已经成熟了吗?

20世纪60年代.信息革命使个人电脑成为计算机的主要形式.掌握了便携式摄影录像设备的艺术家.开始将这一媒体用于艺术表现.新媒体艺术由此开端.70年代初.欧美许多大众电视台纷纷设立实验电视节目.尝试在大众电视网中接纳实验性的艺术作品.并提供将新技术与艺术思潮结合的实验场所.这些实验电视中心.为艺术家提供最新的设备.与技术人员合作的机会.直接促成了许多令人耳目一新的电子视觉.造就了录像艺术的第一代大师.同时也刺激了新技术的创造性运用.如1973年.录像艺术家白南准(NAN JUN PAIK)与工程师阿比合作.开发了同步混像器.今天这已成为电视编辑的基本功能之一.70年代末期.美国的福特基金会.洛克菲勃基金会等.减少对大众电视实验性节目的资助.转而直接资助艺术家.国家艺术基金也开始赞助非赢利性的媒体艺术中心.这些媒体中心提供了比电视台更民主的方式.也更容易接触到新的数字化技术.这些中心创作的录像作品较少在电视网中播出.而是在博物馆和画廊展出.于是.艺术家开始考虑将电子媒体与传统视觉艺术的空间结合起来.这就促成了录像装置的成熟.

从80年代开始.录像艺术在各种国际艺术大展上出尽风头.它以新技术的强大威力.以传统媒体无法抗衡的敏感性.综合性.互动性和强烈的现场感.在国际艺术大展上频频亮相.成为与架上艺术.装置艺术并驾齐驱的主要艺术媒介.90年代以后.世界各大艺术馆.不但纷纷举办专门的录像展览.还先后设立了录像部门或制定录像计划.世界各地的艺术机构定期举办录像节.推动新媒体艺术的传播和交流.近年来.由于个人电脑日趋成熟.许多作品以互动多媒体光碟的形式出现.1998年的波恩录像节为多媒体作品专门设立了奖项.互联网作品也正在蓬勃发展中.

到了今天.新媒体艺术已经发展成单频录像带作品.录像装置作品.多媒体光盘和网络艺术的大家族.与之配套的各种培训.服务和研究机构也应运而生.培训中心如欧洲的EDA.研究机构如法国的皮埃尔·夏尔费国际影视创作中心.英国的LUX CENTER.德国的ZKM等.此外还有许多半赢利的制作中心.以低于商业价格的水平向艺术家开放.对新媒体艺术的资助.大量来自高科技公司的文化基金.如柏林录像节由苹果电脑资助.汉堡录像节由西门子资助.卡赛尔文献展的技术部分由IBM和SONY赞助.对新媒体艺术的支持提升了公司的文化形象.展示了新媒体的艺术魅力与技术潜能.在新媒体艺术与新技术之间形成了良性循环的关系.

在媒体工业与相关政府机构的支持下.不少媒体艺术乌托邦相继成立.其中最知名的有位于德国卡斯鲁尔(KARLSTUHE)的[ZKM"(CENTER FOR ART AND MEDIA).奥地利林兹(LINZ)的[AEC"(ARS ELECTRONICA CENTER)及日本东京的[ICC"(INTER COMMUNICATION CENTER)等.目的是为了促进当代艺术与科学的对话.ZKM成立于1990年.1997年10月正式开始运作.是世界上第一个唯一以[互动艺术"(INTERACTIVE ART)为主题的博物馆.它的宗旨是创建一个艺术与科技相结合的大实验室与媒体城.一个将掀起新视觉运动的[新包豪斯".ZKM是典型的德国式企业经营方式.在大型企业如西门子赞助商与创馆馆长克罗兹(HEINRICH KLOTZ)的理念下.希望延续包豪斯时期的理念.继续成为一个与工业结合的艺术殿堂.以印证所谓的[第二次现代"理念.ZKM成立的构想.缘自德国一个地方政治人物LOTHAR SPAETH的想法.他希望设立针对艺术与媒体科技.特别是视觉影像.音乐新闻的研发机构.并且选择了前法兰克福国家建筑博物馆创办人克罗兹为计划主持人及馆长.该馆主要是发展媒体创作.收藏.展示及推广德国科学文化.1992年起举办[MULTIMEDIALE"多媒体艺术双年展.以展示其媒体艺术收藏品.国际知名媒体艺术家和中心艺术家作品.

从新媒体艺术在欧美的发展.我们可以很清楚地看到.这种艺术形式的产生.一开始就与商业利益紧密地挂在一起.所以.它更多的不是展示艺术.而是展示新技术产品.参观这种新媒体艺术展.给人的感觉更象是参观商品展销会.

● 我们准备好了吗?

喜新厌旧是人类的天性.创造新技术.利用新技术.是人类社会进步的必然.在中国IT产业和欧美新媒体艺术的双重冲击下.中国的新媒体艺术开始在近乎朦胧的状态下起步.

新媒体艺术.不但中国的大众感到陌生.就是中国的艺术家们也并没有完全理解和认同.但是.和世间一切事物的发生与发展一样.新媒体艺术也不是等你完全理解和接受.才走进你的世界.不论你喜欢不喜欢.它总是按着自己的规律破门而入.新媒体艺术在中国的发展大约始于20世纪80年代末.到90年代中期.开始出现一批较优秀的作品和成熟的艺术家.1996年9月.在杭州中国美术学院画廊.举办了名为的中国第一次录像艺术展.这个展览包括十几件录像装置和几个录像带作品.集中了中国第一代录像艺术的开拓者.该展在国内外获得了巨大反响.各地传媒以极大幅面加以报道.更有把这一事件评为当年中国美术十大新闻.该展被许多批评家定位为中国当代艺术中重要的里程碑.

1997年.在北京涌现了数个纯粹由录像艺术组成的个人展览.如.宋冬的录像艺术展.邱志杰的个展.这标志着中国新媒体艺术家不但作为创作群落成为焦点.也开始以个体的方式冲撞着当代中国艺术市场.更多受此影响的艺术家开始投入录像艺术创作.他们的成果在中得到了体现.至此.录像艺术成为中国美术界的热点.特辟一章.叙述录像艺术的兴起.与此同时.中国录像艺术的活跃引起了国际艺坛的瞩目.中国新媒体艺术家的作品开始频繁地出现在世界各地重要的媒体艺术节上.随着IT产业的发展.个人电脑上的编辑设备廉价并得到普及.不但录像艺术进一步得到繁荣.而且更多的艺术家着手探索互动多媒体艺术和网络艺术.

新媒体艺术在中国.算起来不过十来个春秋.但是.它却和产生它的基础--新媒体.包括声.光.电和IT产业一样.以非常惊人的速度发展和壮大起来.MOMA录像部主任芭芭拉·兰登认为:[录像艺术在中国的活跃.是在西方新媒体艺术的圆周闭合之后划出的一个新圆的起点."虽然我们还不知道怎样才能更准确的定义新媒体艺术.也不论现在有着怎样的见仁见智的评论.更无须担心历史将怎样回眸中国新媒体艺术的发展历程.中国新媒体艺术为了画好这刚刚起点的圆.在努力着.前进着.

● 应该如何定义新媒体艺术?

新媒体艺术的先驱罗伊·阿斯科特(ROY ASCOTT)说:新媒体艺术最鲜明的特质为连结性与互动性.了解新媒体艺术创作需要经过五个阶段:连结.融入.互动.转化.出现.首先必须连结.并全身融入其中(而非仅仅在远距离观看).与系统和他人产生互动.这将导致作品与意识转化.最后出现全新的影像.关系.思维与经验.我们一般说的新媒体艺术.主要是指电路传输和结合计算机的创作.然而.这个以硅晶与电子为基础的媒体.目前正与生物学系统.以及源自于分子科学与基因学的概念相融合.最新颖的新媒体艺术将是[干性"硅晶计算机科学和[湿性"生物学的结合.这种刚刚崛起的新媒体艺术被罗伊·阿斯科特称之为[湿媒体"(MOIST MEDIA).

新媒体艺术的表现形式很多.但它们的共通点只有一个.那就是--使用者经由和作品之间的直接互动.参与改变了作品的影像.造型.甚至意义.他们以不同的方式来引发作品的转化--触摸.空间移动.发声等.不论与作品之间的接口为键盘.鼠标.灯光或声音感应器.抑或其它更复杂精密.甚至是看不见的[板机".欣赏者与作品之间的关系主要还是互动.连结性乃是超越时空的藩篱.将全球各地的人连系在一起.在这些网络空间中.使用者可以随时扮演各种不同的身份.搜寻远方的数据库.信息档案.了解异国文化.产生新的社群.

英国当代艺术研究中心新媒体部主任BENJAMIN WEIL.曾于1998年在上海策划了.他认为:艺术作品首先需要提出艺术家的观念.然后再由技术提出最为巧妙和聪明的解决方法.将其完成.艺术作品与每个人的思维方式有关.由观念驱使的创作是艺术性的创作.而如果仅仅通过技术实现的创作就不能称为艺术创作.这恰好阐明了新媒体艺术中.艺术创作和技术应用的关系问题.1996年.杂志曾经探讨过NETART和ART IN NET两者概念的差别.这首先取决是技术.还是艺术家的观念.来有效地确定和影响艺术的创作.前者是技术性的.而后者强调了创作的人文观念性.这就像在录像艺术(VIDEO ART)出现的早期同样发生过类似的争论一样.究竟是以观念利用技术.还是以技术的利用作为艺术分类的纯粹标准.

网络艺术可以给观众带来很多不同的感受.比如有的作品利用文本与表演相结合.互相阐释作品.并且向观众提供机会.制作和共同完成作品.与传统艺术不同的是.网络艺术可以让作品与更多的观众进行直接的交流.在一些国际性的网络艺术展中.提供一种叫做网络虚拟建筑(WEB ARCHITECTURE)的展示作品方式.观众在艺术家的指引和带领下看作品.并由艺术家来介绍作品的创作意图.艺术批评家也可以同时进行评论.在整个网络建筑的参观过程中.观众网上的行为方式与实际情况的差别不会太大.就像我们平时参观其它艺术展览一样.

就艺术本身而言.新媒体艺术源于20世纪60年代的观念艺术.以及由早期未来主义宣言.达达式行为和70年的代表演艺术等.沟通与合作.成为艺术家在新媒体艺术创作中关注的焦点.他们不断探索新的行为模式与新的媒材.企图发掘创造新思维.新的人类经验.甚至新世界的可能性.许多艺术家对于让观众参与到作品中深感兴趣.而艺术作品本身的定义也不再决定于它的实体形式.更多在于它的形成过程.总之.整个20世纪对于新科学的隐喻与模式的着迷.尤其是世纪初的量子物理和世纪末的神经科学与生物学.大大地激发了艺术家的想象力.

● 是艺术融入技术.还是两者都融入商业化?

然而.也有一些问题令人感到迷惘和困惑.罗伊·阿斯科特也好.BENJAMIN WEIL也好.他们很少谈及艺术家的艺术创造.更多的是谈新媒体的技术应用和掌握问题.以及新媒体艺术的市场问题.这就给人们一种错觉.新媒体艺术.最重要的不是艺术上的创造.而是如何引导艺术应用新技术占领市场.当然.这也许与新媒体艺术一诞生就与商业化结下不解之缘有关.罗伊·阿斯科特认为.对21世纪的艺术家来说.建构的问题比呈现的问题更重要.他说:[对网际网络.生物电子学.无线网络.智能型软件.虚拟实境.神经网络.基因工程.分子电子科技.机器人科技等等的兴趣.不仅关系到我们作品的创作与流通.也关系到艺术的新定义.关系到`出现`美学(AESTHETIC OF APPARITION).以及互动性.联结性和转变性.`出现`美学取代了旧式的`外形`美学(AESTHETIC OF APPEARANCE)--后者只关心物体的外观和某些具体的绝对价值.然而新的`出现`或`形成`美学(AESTHETIC OF COMING-INTO-BEING)则试图透过科技文化的转化演变技术.与世界中看不见的力量形成互动."

他又说:[真正有创意的数字艺术家不在于他会使用新科技.像从食谱中挑选一种烹饪法一样.而是由新科技来拓展市场.测试科技的极限.进而促成它的转变.因此.我们寻求的是具有高度反应力的智能机器与系统.它甚至还能预测我们的需求.以及展现一定程度的自我意识(但不是人工意识).因此.置身于后生物文化中的艺术家是如何运作呢?我们必须拓展寻求新的经费来源与支持者.以画商与画廊为主的旧式市场.没有能力对待这样一种即使不全是昙花一现.但却不断在流动.在重新自我定义与自我转换的艺术.相对于艺术的传统以及它所形成的封闭性典范.我们似乎更容易接受科学的新发现与新尝试.同时.互动性传播系统中.人与人的亲密关系.以及全球网际网络中心智之间的互联性.意谓着一种新形态的精神性的出现.我们需要与科学家.高科技人员和企业.建立有意义的联盟--他们不仅挑战与测试我们的创造力与想象力.而且更提供我们编织甚至实现幻想的可能性.若这些企业尚未存在.那么我们就必须发明他们.毕竟.就在纯粹想法以及创新性行为上投资这点来说.硅谷的新创企业与新股票上市公开发行价(IPO-Initial Public Offering)和文化与观念艺术有非常相似之处!而我们这些数字.后生物艺术家在工作上进行智性与财务投资的同时.将创造新的行为模式.新的社会组织.心智与科技的关系.以及身体与仿生学.电信系统之间的相生关系."

从罗伊·阿斯科特上面的谈话中.我们似乎得到这样的印象:新媒体艺术将逐渐融入媒体技术当中,新媒体艺术家将转化成媒体技术专家.或者被媒体技术专家取代,新媒体艺术将更加商业化,新媒体艺术将为媒体技术的存在而存在.为媒体技术的发展而发展.这就是叫人迷惘和困惑的理由.但是.不论新媒体艺术今后的走向会怎样.它必然会随着IT产业和INTERNET的发展而存在和发展下去.我们不必急于给新媒体艺术下什么样的结论.

新技术还将迅猛的发展下去.对艺术与设计的影响和参与.也会越来越深入.艺术与科学共同作用于我们的生活.或者说艺术与科学的界限将会越来越模糊.这可能是一种无法回避的现实.但是.我们也不能就此把艺术与科学等同起来.认为新技术将使艺术变成科学.或者科学成为艺术.技术追求统一性.标准化.定型化.因为只有这样才符合工业化的大批量生产,艺术追求个性化.独创性.求异性.因为只有这样才能够满足人类的审美情趣.我们可以把一种新技术作为创造艺术的手段.我们却不能把一种新艺术当成技术发明的方法.

关于“新媒体艺术展览”的具体内容,今天就为大家讲解到这里,希望对大家有所帮助。