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艺术展览前言 展览的序言

艺术展览前言 展览的序言

尊敬的观众们,

欢迎来到本次艺术展览。在这个独特的展览里,我们将带您踏上一段令人心醉的艺术之旅。艺术是人类创造力和想象力的结晶,它能够突破语言的障碍,穿越时间的长河,触动我们心灵深处的情感。

本次展览聚焦于多种艺术形式,包括绘画、雕塑、摄影和装置艺术等等。每一件作品都代表了艺术家对世界的独特视角,以及他们对现实和幻想的探索。这些作品既是艺术家对生活的感悟,也是对历史、文化和社会的反思。它们以独特的方式展现了艺术家们的创作力和对美的追求。

通过本次展览,我们希望能够给予您一个独特的艺术体验。艺术不仅仅是一种形式,更是一种语言,一种沟通的桥梁。每一件作品都有其独特的故事和内涵,等待着您去发现和解读。

我们邀请您放慢脚步,与艺术对话。通过欣赏这些作品,您将有机会探索艺术家的创作灵感,感受他们的情感和思想。我们也鼓励您与其他观众互动,分享您的意见和感受。艺术是一种沟通的行为,只有通过与他人分享,我们才能更加全面地理解和欣赏艺术的力量。

感谢您的光临和关注。我们衷心希望这个展览能够给您带来愉悦和启迪,让艺术成为您生活中的一种力量和灵感源泉。

祝愿您在本次展览中度过愉快的时光!

展览策展人

[此处可添加策展人姓名]

艺术展览前言 展览的序言

2009年艺术学院08级美术班秋季大洼写生展前言2009年10月,在这如诗的季节里,我们艺术学院08级美术--名同学在-----老师的带领下前往沂蒙山深处-大洼进行了为期三周的风景写生课,以艺术之名去找寻梦中那别样的秋天…艺术因回归自然而富有灵性,自然也因艺术的渲染而更添生机。在大洼这片广袤粗犷的土地上,我们用心灵去倾听着村庄溪流的低语呢喃。在漫野黄花的菊香中,我们用油彩去诉说着青山田野的原始与美丽…短暂而又激情的日子里,我们把思绪放飞,让手中的画笔在这欢乐的时光中尽情的跳跃飞舞。

在青春之梦燃烧过的地方,我们的记忆中也那么不经意地烙上了属于大洼的一片笑声…

艺术展导言

1, 不言而喻,社会生产力的发展从根本上决定着文艺的发展和演变,所以从一般意义上说文艺的发展变化是随着生产力的发展既经济物质的发展和变化而变化的,经济与文艺的这种关系,不过是前一种关系在历史过程中的一种渐变形态.而经济基础的变更对文艺的发展的影响,并不是亦步亦趋、如影随形,而是或迟或早、参差不齐的。因为包括文学在内的整个社会意识形态系统的变化是一个极其复杂的过程,它从根本上受物质生产关系的制约外,同时还要受各种社会因素的影响。文艺的发展和变化最终受经济基础的决定既受生产力的制约是一条客观的规律。所以这样文艺的发展与经济的发展产生不平衡是客观现实的。由于经济基础对文艺的发展的制约作用是从根本上发生的,而从具体对文艺的发展做更为细致的考察时,会发现它在某些时候与经济发展的变化并不是同步的。然而对于这种现象,著名的导师马克思曾经以繁荣的古希腊艺术为例,说明艺术与社会经济发展并非是成正比的,古希腊开创了文化史上第一个艺术繁盛期,并构成整个欧洲文化的一个“高不可及的范本”,但随后的物质生产的发展进步,却未能使古希腊艺术获得进一步繁盛。这样的例子在人类历史发展过程中并不鲜见,中国魏晋南北朝时期的社会动荡,经济衰败,灾荒连年,战争不断,是中国政治上最黑暗、混乱的时代,“却是精神史上极自由、极解放,最富于智慧、最浓于热情的一个时代”,“也就是最富有艺术精神的一个时代。”(参见宗白华《美学散步》);18世纪末19世纪的德国,物质生产是落后的,却产生了歌德、席勒等一批杰出的艺术家、思想家;19世纪的俄罗斯,是其文学艺术的空前高峰期,但此时俄罗斯的经济却相当落后,甚至还残存有农奴制。这些描述经济与艺术发展不平衡的经典例证是值得深思的。虽然这个十分著名的观点,总成为主张“艺术独立性”的鼓吹者们的重要理论依据,但也同样受到标榜马克思主义立场的人士的进一步抢白,认为这种“不平衡关系”只能佐证艺术与经济关系的间接性,却不能成为否定经济基础、人类物质生产活动对艺术活动根本制约和决定的作用的理由。当一个人伸手拿香烟时,他并不是根据手的当前位置或手已经移动的距离,而是根据香烟和手之间的距离来调节手的运动的;当我们给一个温箱加热时,我们不是根据现有的温度,而是根据现有温度和理想温度之差来调节输入温箱热量的。文学艺术调节社会存在的发展情况是同样的,它所依据或反映的不是社会现状,而是理想与现状之差。只有这样肯定文学艺术的反映,才好说明它反过来促进社会存在的发展。由此不难解释希求神力的古代产生了古代神话,社会动乱年代产生了陶、谢的山水田园诗,农民贫苦的年代出现了《牛郎织女》,中世纪黑暗统治之后出现了文艺复兴,中国长期禁欲后出现了性文学热...承认社会发展与文学发展的不平衡是一种辩证的、实事求是的文学观念的体现。当我们把文学作为人类生存活动的一部分时,文学的发展肯定是在社会发展的基础上实现的,但是当我们从文学独特的艺术价值上来辨别文学的成就时,就会发现某些特殊的文学现象与社会的发展水平关系不大。对于这种现象,马克思曾经做出过解释:“关于艺术,大家知道,它的一定的繁盛时期决不是同社会的一般发展成比例的,因而也决不是同仿佛是社会组织的骨骼的物质基础的一般发展成比例的。拿希腊人或莎士比亚同现代人相比。就某些艺术形式,例如史诗来说,甚至谁都承认:当艺术生产一旦作为艺术生产出现,它们就再不能以那种在世界史上划时代的、古典的形式创造出来;在艺术本身的领域内,某些有重大意义的艺术形式只有在艺术发展的不发达阶段上才是可能的。如果说在艺术本身的领域内部的不同艺术种类的关系中有这种情形,那末,在整个艺术领域同社会一般发展关系上有这种情形,就不足为奇了。困难只在于对这些矛盾作一般的表述。一旦它们的特殊性被确定了,它们就被解释明白了。”马克思的这段论述告诉我们艺术的“一定的繁盛时期决不是同社会的一般发展成比例的”这样一个事实,也告诉我们产生这样一种现象的原因是文学艺术的“特殊性”。文学是随社会的物质水平的发展而发展的,但在某些特殊的历史阶段和特殊的领域里,文学的繁荣与社会的发展是不成比例的。这一是由于文学的发展和繁荣的动力不是单一的,决定文学发展和繁荣的原因不仅仅是物质生产的水平。我们在谈论文学的发展时,是就文学这样一种特殊的文化现象而言的,因而我们必然运用社会历史价值和文学的独立审美价值两个尺度来进行分析、评价和判断。当我们以社会的物质发展水平及其社会进步的尺度来审视文学现象时,文学随社会的发展而发展的表现会很突出,但当我们从文学的独特审美价值的角度来看待时间维度中的文学现象时,我们就会很容易地发现文学的繁荣和发展与社会物质发展水平的不平衡现象,会感到文学在其历史中似乎只表现为某种演变的历程。

出处:http://blog.sina.com.cn/s/blog_4a46bce1010006s0.html

2,从希腊艺术的繁荣论物质生产的发展同艺术生产发展的不平衡关系时间:2008-1-30 16:15:15 文章:希腊旅游 访问次数: 点击次数:3 【关闭】 马克思在《政治经济学批判》导言的第二段第(6)条指出:“物质生产的发展例如同艺术生产的不平衡关系。进步这个概念决不能在通常的抽象意义上去理解。”在此,马克思阐述了艺术发展与物质生产发展的不平衡关系。对此观点的解释,仁者见仁,智者见智。有人认为此论述精辟而恰如其分地概括了两者的关系,有人则认为用马克思的这一论述来概括物质与艺术生产的关系是不合适的,笔者赞同后一种看法。在《导言》接下来的第(8)条中,马克思有如下阐述:“关于艺术,大家知道,它的一定的繁盛时期决不是同社会的一般发展成比例的,而也决不是同仿佛是社会组织的骨骼物质基础的一般发展成比例的。例如,拿希腊人或莎士比亚同现代人相比。就某些艺术形式,例如史诗来说,甚至谁都承认;当艺术生产一旦作为艺术生产出现,它们就不再能以那种在世界史上划时代的、古典的形式创造出来;因此,在艺术本身的领域内,某些有重大意义的艺术形式,只有在艺术发展的不发达阶段上才是有可能的。如果说在艺术本身的领域内部的不同艺术种类的关系中有这种情形,就不足为奇。”马克思的这段表述扼要地解释了为什么物质生产与艺术生产的关系不是平衡的。一、艺术生产与物质生产的关系马克思认为:“某些有重大意义的艺术形式只有在艺术发展的不发达阶段上才是可能的。”由于艺术生产是一种特殊的商品生产,因而具有与一般商品不同的审美价值。从理论上说,若能创造出既有很高的艺术成就,又有很好的销路,且能得到可观的经济利润的作品,那就是最理想的了。但事实上,要处理好这两者的关系,并非易事,就像鱼与熊掌,难以兼得。美国解构主义学者希利斯·米勒在谈到文学研究问题时就认为:文学研究的时代已经过去了,并怀疑文学研究是否还会有繁荣的时期。尽管他所讨论的是文学研究,但至少说明一点,过于考虑艺术的其它的、非艺术的价值就难以获得高质量的作品。在古希腊时期,生产力水平相对不高,商品交换非常不活跃,艺术生产几乎还没有作为一种商品生产的方式而出现,作者更多地是出于纯艺术目的的考虑,注重的更多是艺术的审美价值等艺术的需要,而不是作品的销量、个人所得利润等商业价值,故而能创作出震撼人心的、划时代的作品。反之,艺术创作若不是对自然、社会、情感的真实自然的反映,不是纯粹出于艺术的目的,而是搀杂了浓厚的商业气息,把艺术产品更多地作为一种商品来生产和销售,过多地考虑自身的利益及销售量,势必会影响作品本身的质量。随着科学技术和生产力的飞速发展,经济已经渗透于文学艺术之中,艺术生产已深深地打上经济的烙印,文学艺术很难保持它们以往的独立品格,而不得不走出自己的“象牙塔”。从历史上可以看出,许多伟大的艺术家当时都是穷困潦倒的,而他们的作品却流芳百世,为后人所共享,他们没有一味地去追求利润也是一大原因。而目前倍受关注和争议的大众文化(mass culture)就是“文化工业”(Culture Industry)的产物,是当前一个突出的带有世界性和时代性的文化现象。在一个真正多元化的社会里,大众文化应有它的地位,它所表现的规律,有属于文化发展的一般规律和时代内容的东西,特别是与高科技结合的大众文化产品的大批量、模式化的制作与传播,虽然有促进文化发展的正面影响,给人类带来许多新的东西,但它也毁灭了不少有价值的东西,在一定程度上破坏了人类文化生态,对文化发展提出了新的问题和挑战。当然,马克思在这里强调的只是“某些”而并非所有的艺术形式“只有在艺术发展的不发达阶段上才是可能的”。就神话而言,希腊的神话达到了登峰造极的程度,但这并不意味着希腊所有的艺术形式都达到最高境界,也不能说明后人就没有惊世之作。例如后人的现实主义、现代主义、后现代主义的作品都取得了辉煌的成就,这恐怕是希腊人所无法企及的。那么为什么希腊的神话而不是小说或诗歌能获得如此巨大的成就呢?这可以从马克思关于生产力和生产关系、经济基础和上层建筑关系的观点中得到解释。马克思在《〈政治经济学批判〉序言》中指出:“物质生活的方式制约着整个社会生活、政治生活和精神生活的过程。不是人们的意识决定人们的存在,相反,是人们的社会存在决定人们的意识。……随着经济基础的变更,全部庞大的上层建筑也或慢或快地发生变革。在考察这些变革时,必须时刻把下面两者区别开来:一种是生产的经济条件方面所发生的物质的、可以用自然科学的精确性指明的那些法律的、政治的、宗教的、艺术的或哲学的,简言之,意识形态的形式。”我们知道,艺术属于意识形态的范畴,它是由经济基础所决定的,马克思认为,某一时代的艺术是由其所处的社会的生产力、经济基础决定的。尽管这种决定方式可能不是直接的、机械的,但归根到底,有什么样的经济基础,就会产生什么样的艺术。在古希腊,生产力非常落后,人们对许多自然现象无法解释,更无法控制,于是便借助于想象来表达其美好的愿望,希望能充分了解自然、利用自然、征服自然,人所不能实现的愿望在神的身上得以圆梦。关于古希腊艺术的繁荣原因,马克思有这样的论述:“他们的艺术对我们所产生的魅力,同它在其中生长的那个不发达的社会阶段并不矛盾。它倒是这个阶段的结果,并且是同它在其中产生而且只能在其中产生的那些未成熟的社会条件永远不能复返这一点分不开的。”这里的“社会条件”就是指当时的科学技术生产力的落后。马克思又指出:“成为希腊人的幻想的基础、从而成为希腊[神话]的基础的那种对自然的观点和对社会关系的观点,能够同自动纺机、铁道、机车和电报并存吗?在罗伯茨面前,武尔坎又在哪里?在避雷针面前,丘比特又在哪里?……任何神话都是用想象和借助想象以征服自然力,支配自然力,把自然力加以形象化;因而,随着这些自然力之实际上被支配,神话也就消失了。”的确,随着生产力(科学技术)的发展,许多现象都已得到合理的解释,许多想象也都成为现实。人们对自然、对社会的看法已发生很大变化,一切都是可能的。遨游太空、试管婴儿、克隆羊等都已不是什么新鲜事,也就是说,希腊神话所赖以存在的基础已不复存在。恩格斯认为:“政治、法律、哲学、宗教、文学、艺术等的发展是以经济发展为基础的……经济关系归根到底还是具有决定意义的,它构成一条贯穿始终的、惟一有助于理解的红线。”也就是说,经济关系是艺术等意识形态发展的决定性因素,而经济主导和支配文学乃至一切文化从没有像今天这样的紧密和直接。由此可见,马克思的这一论断是比较客观而全面地阐述了物质生产与艺术生产之间的

关系,即一定社会的艺术是由这一社会的经济状况决定并反过来反映了这一社会经济的发展。当时希腊处在奴隶社会。原始社会和奴隶社会同样具有较低的生产力,商品生产也同样不发达,为什么希腊文化的繁荣出现在奴隶社会而不是原始社会呢?马克思认为:“只有奴隶制才使农业和工业之间更大规模的分工成为可能,从而为古代文化的繁荣,即为希腊文化创造了条件。没有奴隶制,就没有希腊国家,就没有希腊的艺术和科学;没有奴隶制,就没有罗马帝国。没有希腊文化和罗马帝国奠定的基础,也就没有现代的欧洲。……采用奴隶制是一个巨大的进步。”因为与原始社会相比,奴隶社会的物质生产进一步发展,社会分工进一步深化,不仅农业和工业区分开来,而且产生了“单纯体力劳动的群众同管理劳动、经营商业和掌管国事以及后来从事艺术和科学的少数特权分子之间的大分工”。也就是说,到了奴隶社会,生产力得到了提高,艺术生产从物质生产中分离出来,这就为艺术的繁荣创造了良好的条件。因此,艺术生产同物质生产发展的不平衡现象,恰恰证明上层建筑是由经济基础决定并在一定程度上反映了经济发展的状况。一旦经济基础发生改变,建立于其上的上层建筑也必然发生相应的变化,以适应经济基础的变化。但这种变化关系并不是成正比的、直线的关系。经济发达社会的艺术作品未必都是高水平、高成就的,而生产力落后社会的艺术作品也不一定就是低水平的。但反之,一定社会的艺术必然是由这一社会的经济状况所制约,也必然是反映了这一社会经济的发展。经济的发展能够为艺术发展提供良好的物质条件,并影响艺术的内容与形式。就以小说的产生为例。首先,纸和印刷术的发明,为小说的诞生提供了可能;其次,由于当时的农民失去土地而成为城市居民,有了闲暇时间;再次,由于欣赏戏剧得去剧院,有许多不便,人们便希望足不出户就能享受闲暇。基于这几方面的原因,到了16世纪,小说便应运而生了。再拿文学流派的发展来说。为什么后现代主义没有出现在古希腊而是出现在20世纪六七十年代?因为古希腊时代缺乏后现代的土壤———科学技术的高度发展和思想上的迷茫。20世纪50年代以来,由于科技的迅猛发展,人类进入了以电子计算机为核心的第四次技术革命,使一切事物都失去了神秘性和神圣性,并深刻地改变了人类的行为和价值观念,人们放弃了传统的信仰、文化习俗、生活方式和绝对的社会目标,虚无主义、无政府主义盛行,世界丧失了权威和中心,社会心理极其随意多样。这就在很大程度上导致了后现代主义的产生。或者说,从后现代产生的背景来看,经济对艺术的主导和支配作用越来越显著,现代的艺术可谓深深地打上了经济的烙印。再从写作的条件来看。对古希腊人来说,笔和纸已是奢侈物了,而现代作家则大多用电脑写作。所有这些都表明艺术生产的许多方面都受物质生产状况的制约和影响。二、艺术自身的发展规律艺术等意识形态在一定的经济基础上产生之后,并不完全依赖经济,而是具有其固有的规律性及相对的独立性。艺术的表现形式、形式与内容的结合方式等都是有一定的内在规律的。经济基础并不能直接影响艺术作品的成就。恩格斯曾言:“经济上落后的国家在哲学上仍然能够演奏第一小提琴:十八世纪的法国对英国来说是如此,后来的德国对英法两国来说也是如此。”一方面,由于艺术的创造需要有一定的内容(思想、素材等),而这种内容除了来自于当时所处的时代外,还包括世代传承下来的各种思想材料。例如,希腊艺术是以流传下来的希腊神话为基础的,而欧洲文艺复兴又是以希腊文化为样本,可谓是古典艺术的复苏。文艺复兴则又影响了18世纪的启蒙运动。文艺复兴时代的艺术家从希腊艺术中吸取了反封建因素及朴素唯物主义思想,从而创造出以“人”为中心的人文主义新文艺,表现出更接近自然、更接近现实、更接近人性的风格。这就是艺术发展的历史继承性。另一方面,经济对艺术的作用是通过人来起作用的,而人是处于一定社会环境中的,还会受到上层建筑的其它方面诸如政治、法律、哲学、宗教等的影响。而作品是作者的产物,往往会受到作者的个性特征、信仰、悟性及表达能力等多方面的影响。因此,物质生产程度的提高并不一定意味着艺术生产的成就越大,两者之间并没有必然联系。也就是说,艺术的发展并不是直线上升的,就正如同科学技术不是直线发展一样。如牛顿的万有引力定律,我们至今还在使用,你能说与现代的某个理论(比如霍今的天体理论)相比,孰高孰低吗?显然不能。同理,艺术生产有时可以超越物质生产的客观条件,创造出惊人之作。的确,随着物质生产的发展,艺术生产的产量和规模越来越大,体裁和流派也越来越丰富,但这并不等于在任何艺术形式上的成就都会越来越大,因为艺术的效果还取决于体裁与内容的结合程度,还必须遵循艺术自身的规律。马克思在导言中还指出:“困难不在于理解希腊艺术和史诗同一定社会形式结合在一起,困难的是,它们何以仍然能够给我们以艺术享受,而且就某方面说是一种规范和高不可及的范本。”我们知道,希腊艺术作品非常自然、真切地表达了当时的社会现状、人们对未来的憧憬和幻想以及人类一般的、共有的情感,而没有任何的矫揉造作、哗众取宠的倾向。这也是它能流传千古的原因。因为尽管时光流逝,科学技术的发展也是日新月异,但人的本性总是向往或欣赏美的、自然的、真实的东西,无论他身处何时何地,无论他有怎样的信念、喜好和生活习惯。这或许就是马克思所谓的“儿童的天真”、“在每一个时代,它的固有的性格不是在儿童的天性中纯真地复活着吗?”。就正如现代有些人在享受了高科技所带来的各种便利之后,反而向往原先的那种简朴自然的生活,比如在美国,有许多人愿意自己做家具、锄草,从中享受生活真正的、原始的乐趣。这一现象恐怕与希腊艺术至今仍能带给我们以艺术享受的道理是一样的。我国古代《三字经》中的“人之初,性本善,性相近,习相远”已有很好的表述,可谓有异曲同工之处。而且,中国文学的发展史也恰恰证实了这一点。先秦的散文、唐诗、宋词、元曲、明清小说可以说创造了中国古代文化的精品,为后人所欣赏。相反,当那些曾被恩格斯称为“更高地悬浮于空中的思想领域的”艺术生产都已屈尊地降到现实的社会中,并被作为商品进行大规模生产时,充满色情、暴力的作品充斥整个社会,虽然能一时满足部分人的口味,但由于缺乏艺术品味,也就缺乏长久的生命力,更难以流芳百世了。有学者认为,在当代文学中严重存在着事业商业化、精神痞子化的危机,它体现了时下金钱至上的商业化对人文精神的践踏和摧残,暴露了当代人人文精神的危机,从而使人们更多地肯定和怀念传统人文精神,并渴望重建艺术的文化价值。三、结语综上所述,希腊艺术的繁荣与“不发达的社会阶段”和“未成熟的社会”并不矛盾,而正是对野蛮时代高级阶段全盛时期的氏族制度及政治、经济生活状况的真实写照,反映了艺术生产与物质生产发展的不平衡关系。正确理解这一关系具有重要的现实意义。有人认为,既然两者是不平衡的,那么艺术生产的发展速度是可以高于物质生产的发展速度的,那我们就应当把艺术生产搞得更快些。这就曲解了马克思关于两种生产的关系理论,违背了经济基础决定上层建筑的原理,也违背了艺术自身的规律。我们知道,物质生产与精神生产并不是简单的对应关系,且艺术生产与物质经济发展不同,不能用自然科学来精确地表达,不能用量化的标准来衡量艺术的发展,认为艺术发展与物质生产的发展成正比,甚至认为艺术生产的发展速度可以高于物质生产的发展速度。如果主观地人为地去提高艺术生产的速度,那么是可能会出现大量的艺术作品,但作品的质量恐怕难以令人满意,甚或出现一种表面的繁荣或高速。诚然,艺术的发展需要宽松的环境,但一味地强求速度只会起到“拔苗助长”的效果,反而会导致艺术的泛滥,不利于艺术的正常发展。因为艺术是一种特殊的产品,不能用管理物质生产的模式来管理艺术生产,不能仅仅把生产的速度、产量作为发展的标准。我们应该为艺术创作提供宽松而优越的条件,又必须遵循艺术内在的规律,这才是马克思关于物质生产发展与艺术生产发展关系理论的要旨所在。

儿童美术展览前言

前言:经常有朋友或同事问我:我想培养孩子学画画,你看是请家庭教师好呢?还是送青少年宫好呢?我回答:这两者都可以,但必须再增加一名助教,就是你自己,否则只靠别人教将事倍功半。而且孩子学美术最好从小,从送青少年宫之前就开始培养,此时唯一的教师只能是家长自己。又问:我一点不懂画画,怎么能当教师?答:每个家长都能教,关键看你会不会做了。

我也曾在家中为一些朋友的孩子辅导过美术,在辅导过程中发现虽然家长们都非常希望自己的孩子成才,但往往方法不当,或操之过急,或束手无策。所以我想如果能把自己的一些心得体会写出来,可能对更多的家长们都会有帮助。

前些年曾有过一阵“钢琴热”,有些家长不管孩子有没有音乐天才,自己省吃俭用买架钢琴,请老师,逼孩子,日夜督促,最后却是一场空。的确,学音乐、学舞蹈、学体育似乎都需要一些天赋的条件,倘毫无天赋,最好别白费力气。唯独学画画,我个人的体会大概不需要什么“天赋”,几乎每个孩子在两三岁前后都有过一个自发的“涂鸦”阶段,所以任何一个孩子,只要视力正常,家长会抓,都能学会画画,即使成不了专业画家,也能成为美术爱好者。

具备美术爱好不光是多一项技能,它对于开发右脑潜能,增强形象思维能力和空间想象能力,对每一门功课甚至对于从事任何一门行业都是大有裨益的。故而“美育”与德育、智育、体育并列而四,成为“现代人”必不可少的基本素质。我认为每个孩子都能学会画画,每个家长都能辅导,学会画画对每个孩子都大有好处。在美术学习班中自有老师辅导,我这里主要是讲家长在家里应如何辅导。

1、启蒙期。从小孩刚开始拿笔在纸上乱画,到画出第一张能叫做“画儿”的东西,这段时期虽然还不能算已经开始学画画,但对于家长来说,这是一个非常重要的,抓早期智力开发的关键时期,这点在后面还要专门谈。

2、早期。孩子以自由“涂鸦”为主要内容,以临摹、忆写儿童画刊来提高自已,这个时期除了请老师外,在家里基本依靠家长抓。

3、中期。在提高的基础上能自由组合,创作出较有意义的画幅,这个时期仍是主要靠家长辅导,也可以请老师略加指点。

4、晚期。在老师的指导下,创作一些比较完整的命题画之类,即进入儿童画创作时期。如果方法得当,许多儿童在学龄前就可以进入这个时期。各人情况不同,这里只是说大致如此。

儿童学画有三个特点:

1、趣味性,儿童学画多出于兴趣,出于好玩,生自爱美的天性,把画画当成一种游戏。当他能用生动的艺术形象描绘出心中的世界时,是非常高兴的。所以家长决不要用“任务”“作业”来强迫孩子学画,把有趣变成没趣,而应该引发和保持儿童的兴趣。

2、摹仿性,儿童初学画画,多是从儿童画册或电视动画片中摹仿而来,不是象成人那样从生活中写生而来。

3、创造性,摹仿只是一种手段,创作才是儿童画的主要内容和主要特色,这与儿童学音乐迥然不同。儿童最富于幻想,只有创作才能充分发挥他的天才。

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有些家长不了解儿童学画的特点,以为也要象学小提琴或学钢琴那样,从第一步就必须按严格正规的教程,完全依靠老师一课一课地学基本功。其实这两者完全不同,学提琴一开始如不严格、不正规,指法弓法练错了以后再纠正是很困难的,这种正规的练习方法对孩子来说是很艰苦、很枯燥的,所以有时也许需要强迫训练。而画画则从第一步开始就是无拘无束的创作,而非刻板的“练习曲”,这种任想象力自由驰骋的创作,对孩子来说是符合天性的趣事。此时属于“儿童画”阶段,真正的基本功训练如静物或石膏的素描等一般要在成为少年以后进行,如果从小就开始正规训练,反而毁了儿童学画的天性。

什么叫“儿童画”?为什么儿童画能独立存在于其它画种之外?就是因为它出自未经雕琢的纯真,出自不受拘束的天然,具有儿童画那种特有的稚拙可爱,正象书法中的“童体”一样,那味道是大人模仿不来的。所以儿童学画的特点规定了学画的方法与学钢琴不同,不能强迫而要顺应孩子的自然天性,不是主要依赖教师,而是主要依靠家长,不是任务,而是游戏,不是教导,而是引导,是激发,是利用天性来培养兴趣,形成爱好。所以我说每个家长都能教,说实在的,当孩子还太小的时候,即使请来老师,老师也没法一课一课地教,弄不好还教成“小老头”了,倒不如由日夜和孩子在一起的父母来教更自然,更有效一些。

有些家长会问,我们根本不会画画,怎么能辅导呢?其实略有文化素养的成年人,都有一定的鉴赏力,也都可以辅导,下面谈谈我的一些具体体会。

据我个人的体会,孩子最好从两岁多就开始抓,这时孩子活泼好动,懵懂初开,周围的一切对他都是新奇的世界。给他一支笔,一张纸,他就会在上面兴奋地乱画,不要怕浪费纸,也不要怕麻烦,任其自然乱抹。几个月后,他对抓笔比较熟悉了,就可以略加指导。家长教他画一个园, 添上简单的眼睛、嘴巴就成娃娃头。我的大孩没加指导,在刚满三岁时,自己画出了第一张“作品”,高兴得直叫。我的小女孩加了点指导,两岁半就画出了第一张画。

为什么要强调从两、三岁抓起?我认为绝大多数孩子在这个时期都有涂涂画画的天然要求,这是个难得的美术开发期,只要抓住了,任何孩子都能激发起对美术的爱好。原始人可以说是人类的童年,在未有文字之前,已产生了古朴的绘画艺术,这正是人类天然的绘画需求所使然。我的一位亲戚家中无一人爱好美术,也许受了我的一点影响,稍微抓了一下,对孩子略加了点鼓励,孩子们就都爱上了美术。为什么大一些再开始抓不如这个时候好?这与创作力和鉴赏力的平衡有关。

我们常听人说“眼高手低”这句话,这“眼”就是鉴赏力,“手”就是创作力,美术鉴赏力是可以随阅历的丰富,文化素养的提高而不断提高的,但如果不动手,创作力是不会随年龄的增长而增长的,时间一长,两者之间就会不平衡,自己画的画自己看不上,一时又无法提高,就要影响兴趣。也就是所谓“眼高手低”了。

孩子在两岁多时,鉴赏力几乎是零,这时只要能画出画来,即使极不象样,他也会觉得很美,从而产生浓厚的兴趣,乐此不倦,并保持鉴赏力与创作力的同步协调发展。如果错过这一时期再开始教画,孩子就可能因看不上自己的处女作而失去兴趣。

当然不是说孩子大了就不能学画,不过家长要多费些心,手把手教些基本画法,也可请老师帮忙,使他能在短时期内得到提高,达到创作力与鉴赏力的平衡。当儿童上学之后,兴趣就容易保持了,因为这时学校里有正规的美术课,而孩子由于学龄前的爱好,水平也高于同班同学,这就促使他更加爱好美术,班级或学校组织美术小组,办墙报之类活动自然也少不了这些孩子,这就是更进一步的锻练。

由此可见,关键是抓好学龄前这一阶段,尤其是两三岁这段时间,有了基础,以后就省劲多了。

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从前面所述可知,孩子画画的主要动力在于兴趣,家长的主要任务是激发和保持他的兴趣。兴趣则来自日有所进。具体做法如下:

1、孩子画出新画,家长应该为之高兴,给予鼓励,遇有得意之作,尤其是有新意的创作要表扬,可以贴在墙上,介绍给客人,也要指出不足,帮助修改,以防自满自得。

2、当孩子要纸画画时,不要随便撕一张了事,最好裁些白纸订成本子,孩子对于本子和对于纸片的态度截然不同,在本子上画画要认真得多,这样提高很快。但要注意,本子不要太厚,以便经常更换本子,每换一次都能重新唤起孩子的新鲜感。本子利于保存,家长可以和孩子一起回顾他的学习历程,从进步中产生新的兴趣。

3、要多买些儿童画刊之类,特别是以卡通人物(如唐老鸭等)为题材的画刊,儿童的早期老师实际上就是这些画刊而不是家长;应按早、中、晚期给这些孩子逐步添置画具,从铅笔、蜡笔到水彩笔直至水彩颜料、图画纸等。

4、如果有条件,有时间,家长最好能和孩子一起画几幅,家长能画得很好,自然是个示范,家长画得不好,也可以起到鼓励孩子的作用,看,我和爸爸妈妈都画得差不多了,更重要的在于家长的参与使孩子更高兴,就象一起做游戏那样,更加充满家庭的温馨和竞争的刺激。如果家长实在有困难也不必勉强。

5、到孩子能创作时,应该鼓励他给儿童画刊投稿,或为儿童画展搞创作,这时也可请老师指导,当然能参加美术学习班就更好了。当孩子开始正式创作时,换上正规的画纸画具,他会变得非常认真,甚至进入“竞技状态”,我的大孩子在有一次创作时,整整半个月“日夜奋战”,连饭都来不及吃。这倒并非因为“一定要入选”的欲望在鞭策他,由于他第一次画出了自己都想不到的画,被作品中的美强烈地吸引住了,决心要“尽善尽美”,笔笔不苟,连我都想不到他能忽然画得这么好。这时绘画水平会来一次飞跃,兴趣当然就会更加浓厚。

6、儿童搞创作不要由大人越俎代庖,否则欲速则不达,他在大人的包办下,也许能“画”出很好的作品,待作品入选后,自已却再也画不出原来那样水平的作品,他就会觉得“退步”而心灰意懒,失去兴趣的。所以家长会不会画无关紧要,关键是会不会教,会不会引导。

7、经常带孩子去看画展(尤其是儿童画展)及其它各种展览,以激发他的兴趣,这不仅能学到很多东西,重要的是大人的陪同本身就是对孩子最有力的支持。

8、如果家长有一定的艺术鉴赏水平,可以对孩子的作品经常给予讲评,主要是指出哪幅画在哪一点上有创新,有趣味,有进步,多鼓励,少批评,一定注意不要把儿童画中的天真可爱当做缺点来批评。

我说家长的任务是引导而不是教导,是否可以认为家长就不需要给孩子辅导,完全“无为而治”呢?也不,当孩子碰到门坎时,还需要提一把才能迈过去。比如孩子画娃娃脸时,往往把眼睛画在头的顶端,把五官分散于脸庞的全部,这是因为五官是最生动的活动目标,远比虽然大但不活动的脑门更吸引孩子的视线。这时家长应该参照儿童画册,教他把眼睛画在整个头部的水平中线以下,把五官集中起来,脑门上就可以画头发了。

又比如画园圈是画娃娃头、画太阳等的基础,小孩一开始很难画得圆,家长可替他画一个,让他自己添别的东西,等他有了兴趣以后再慢慢教他画得园。孩子们普遍遇到的一个门坎是画侧面的人脸,这比画正面脸难多了,家长一定要注意帮他迈过去,即使家长也画不出来,起码能看出来象不象,可以找画册参考,帮助他掌握。一开始要让孩子画他最感兴趣的东西,活的东西,比如娃娃、小鸟、小白兔、唐老鸭、机器猫等,不要画静物,比如杯子、水果之类他不感兴趣的东西,等有了基础以后再画。

有时孩子临摹稍复杂的形象很困难,家长可以先进行简化,画出样子,使孩子容易临摹。这就要求家长平时也要注意提高自己的艺术修养和爱好,没基础不要紧,有兴趣就行,如果家长对美术毫无兴趣,自己一点不学习,不长进,那也很难培养好自己的孩子。

教材不必买正规的美术技法书籍,如素描、静物写生、人体写生等,只须买些儿童美术教材就可以了,要充分认识到这时的孩子还没有正式开始学画,只是在进行一些必要的准备,在培养兴趣,培养观察力和创造力,他要自由发挥创作的想象力,不应受教材的拘束。

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在辅导时要注意的是,一定要正确区分技艺上的不足和儿童画中最可宝贵的天真稚拙,别把儿童画辅导成正经八板的“老头画”了。儿童画人往往是头大身子小,这不必纠正,只要有神韵就行。在构图构思上也是一样,比如我的大孩子有一次画了一台全自动的机器,又是电闸,又是传送带,应有尽有,但机器的作用却是把好砖统统碾成碎砖!又比如我的小女孩有一次画了一群鸟在天上飞,每只鸟都是边飞边下蛋,一串接一串,象飞机扔炸弹似的。这种常识之外的不合理正是儿童画的真正趣味所在,是大人做梦也想不出来的,如果把这点给“辅导”掉了,那这张画就毁了,如果这时给孩子指出他的“常识性错误”,那就压抑了他的浪漫的想象力,再也画不出这么可爱的“错误”了,少了这些趣味还能叫儿童画吗?甭管机器是干什么用的,能想象出这么复杂的机器就应该先鼓励,后来我一了解,原来“生产”碎砖的目的是为了用碎砖块当画笔在地上画画的,你瞧,孩子自有他心中的另一个世界。

家长要想看出哪些是儿童画中的“童趣”,除了提高艺术水准之外,更重要的是还要有一颗充满理解,充满幽默的“童心”,要当孩子的朋友而不是师长,在以孔学为核心的古老的中华文化中缺乏的恰恰是这一点。

在早期可以让孩子通过临摹掌握一些基本东西,但千万不要陷在临摹中出不来。女孩子更喜欢临摹,较少创造性,所以更要注意引导。在孩子能初步临摹时,要引导他把临摹学会的图形自由组合,充分发挥想象力,要鼓励他丰富画面的内容,提醒他增添小鸟、花草、小狗之类。

等到孩子进入创作阶段时,就要开始鼓励他画写生,一开始可能有些困难,可以画些简单的静物,再往后就可以引导他画人物写生。一开始可以先让他给父母画,如果给别人画,孩子会难为情的,怕画不好人家笑话。孩子第一次给父母画象可能极难看,但“难看”中往往包含着孩子的纯真和独到的准确观察,甚至可能有传神的写照。我的孩子早期画我吃馓子(西北的一种油炸面食),虽然人物的结构比例极不“合辙”,但那弯弯的带钩的馓子以及我贪婪的吃相,的确画绝了,我着实称赞了一番,以后他就经常主动为我画像了。

1、不要过度,以免乏味,只有丰富的生活,广泛的爱好才能使画画总保持新鲜感。当孩子不愿画时,家长也不必着急,不要强迫,不用规定一天必须画几张,兴趣的增长时快时慢,有时还可能因长时期过度兴奋而凉一阵子,家长这时应给孩子一个冷却期,歇口气儿,只要家长一直是采用引导的方法,不是加压,而是吸引,那么等过了这一阵子,他自然会恢复兴趣的。这样他就会感到画画是快乐的、自由的、轻松的,是一种游戏,哪个孩子能不喜欢游戏呢?就是天天玩同一种游戏孩子也要歇一歇,何况画画呢?

如果孩子的兴趣一时恢复不过来,家长就应该检查一下自己的方法是否太生硬,太急躁,带有强迫性,一方面改进方法,一方面使用一些外部刺激、诱导的招数,比如看看画展,看看别的小朋友画画,或者家长自己也认真地画几幅,等等。

2、教育孩子不要在墙上、书上、作业本上乱画,事实上只要供应充足的画本,满足他的欲望,他就不乱画了。

3、鼓励或带孩子参加各种活动、晚会、旅游,看演出等,以丰富他的生活和素材。我的大孩曾在南疆“巴扎”上观察到维吾尔族老乡在给哈密瓜过秤时,用秤钩直接钩住哈密瓜,用石头当秤砣的情景,画入他的创作中,十分富有地方特色,被《小朋友》杂志刊用。这一细节连我这个天天写生,搜集素材的专业美工都没有注意到,可见孩子的观察力有时是非常敏锐的。

4、孩子上学以后,要教育他画画应有节制,在完成作业之后再画,而且要特别提醒他认真地,高质量地完成美术作业。

以上只是零散地谈了一些个人体会,不一定适合所有家长的情况,也不是死板的教材,只要对家长们多少有点启发,有点参考作用就算没白谈。

油画展前言

1. 画展前言怎么写 2009年艺术学院08级美术班秋季大洼写生展前言 2009年10月,在这如诗的季节里,我们艺术学院08级美术--名同学在-----老师的带领下前往沂蒙山深处-大洼进行了为期三周的风景写生课,以艺术之名去找寻梦中那别样的秋天… 艺术因回归自然而富有灵性,自然也因艺术的渲染而更添生机。在大洼这片广袤粗犷的土地上,我们用心灵去倾听着村庄溪流的低语呢喃。在漫野黄花的菊香中,我们用油彩去诉说着青山田野的原始与美丽… 短暂而又 *** 的日子里,我们把思绪放飞,让手中的画笔在这欢乐的时光中尽情的跳跃飞舞。 在青春之梦燃烧过的地方,我们的记忆中也那么不经意地烙上了属于大洼的一片笑声… 2. 办画展怎样写好前言 比如: 2010年艺术学院08级美术班秋季太行山写生展前言 2010年10月,在这如画的季节里,我们艺术学院08级美术--名同学在-----在老师的带领下我们前往太行山进行了为期5周的风景写生课,以艺术之名去找寻梦中那别样的秋天… 艺术因回归自然而富有灵性,自然也因艺术的渲染而更添生机。在大洼这片广袤粗犷的山地上,我们用心灵去倾听着山村溪流的低语呢喃。在漫野黄花的菊香中,我们用油彩去诉说着青山田野的原始与美丽… 短暂而又 *** 的日子里,我们把思绪放飞,让手中的画笔在这欢乐的时光中尽情的跳跃飞舞。在青春之梦燃烧过的地方,我们的记忆中也那么不经意地烙上了属于大洼的一片笑声… 3. 小学美术画展前言 画展前言 有人说,美术的世界是多彩而梦幻的。干湿点染中,包容了整个大自然的色彩;一勾一画里,蕴涵着老师和学生无尽的情思。我校为展示美术教育的成果,举办了本次画展。它不仅仅是一次有意义的文化艺术活动,也是我校特色教育建设的探索,更是向全校师生献上的艺术盛宴。 世界因为你们的描绘而变得更加美丽,世界因为你们的想象而变得更加神奇。如果说一个人成长的脚印连在一起就是人生道路,那么这一张张绘画作品正是你们所思、所想、所梦。 建设富有特色的教育是我校的发展方向。有特色的教育,学校才有灵魂,才有独特的风采和魅力。这次画展正是基于这样的思考,力图从继承和创新、课程改革和质量提高、学生的升学和就业、师生个人发展和学校整体发展等诸多关系中寻找联结点。我校的师资力量雄厚,美术老师多次获得国家、省、市级展览的大奖。这次展览我校老师拿出部分获奖作品和我校优秀学生的作品,这些作品比较全面地展示了我校美术教育发展的整体水平。一幅幅主题突出、形式新颖、风格鲜明、稚趣盎然的绘画作品,凝聚着老师和学生的智慧和心血。充分展示了广大师生对生活的热爱和对艺术的追求。 “赤橙黄绿青蓝紫,谁持彩练当空舞?”初升的朝阳正冉冉升起,我校的锦绣蓝图正徐徐展开,让我们全体师生一道,在这片充满希望的热土上,留下最新最美的印记! 衷心感谢领导、老师和同学为这次展览所付出的辛勤劳动!我们有理由相信,只要我们坚持不懈,我们学校的美术教育就一定能波起浪涌,蔚成大观,为我校特色教育的建设、为和谐校园建设做出更大的贡献。 4. 谁能帮我写篇高中生的画展前言 有人说,美术的世界是多彩而梦幻的。干湿点染中,包容了整个大自然的色彩;一勾一画里,蕴涵着作者无尽的情思。 “一树春风千万枝,嫩于金色软于丝。”春之柳叶,秋之落红,雪下石路,雨中小桥,诠释了小画家们 心底的感悟。 飞檐峭壁,古道西风,羊肠斜径,雪里孤松,晕染出他们独特的心声。梦幻湿漉的水乡,凝视了多少历史的迁移;蓊郁葱茏的山脉,见证了无数时代的脉搏。他们,睿智清纯的眼眸里,跳跃着青春萌动的朝气;他们,稚嫩脱俗的挥洒中,演绎了色彩斑斓的追求。 也许是飘逸的思绪牵动了心底最遥远的梦想,无法让墨迹在笔尖荒废;也许是尽享了自然的秀丽清爽,无法将视线挪移开缤纷的包围;也许是想让灵动的创意把未来描绘,无法用平静掩饰潮涌般的追随…… 于是,他们找来草原上鹅黄的小草,采集黄山顶苍翠的古松,摘落西湖上醉人的晚霞,折下黄海里神秘的珊瑚,拢齐布达拉宫漫天的星斗,采集西沙群岛多彩的贝壳…… 用自己独特的方式,将蓝天、旷野、白云、小溪以及流动的历史、沸腾的人群、绿色的向往、青春的热血,一起定格在碳条与画板之上,浸透于清淡的墨香之中了。 每一幅作品,昭示了同学们对美的追求和对人生的思索——失意时不气馁,得意时不张狂;展示了同学们蓬勃的朝气、阳光的心态以及对绿色、自然的向往和热爱。 欣赏慨叹美术教师伯乐慧眼、为师传道的兢兢业业之余,竟也不禁为千里小驹的努力腾飞而扼腕叫绝了。 今日,在母校提供的舞台上,他们已然牛刀小试,笔墨丹青蕴佳话;明天在世界铺就的画廊里,他们定能泼墨挥洒,卷帙浩繁传佳音。 将春风化为细雨,使自然融入校园; 让清新凝于瞬间,把美丽驻留心田! 5. 求书画作品集 序言范文 长期在我省戍边的一位青年军旅书画家杨中文同志,把他近年来创作的一批中国书画作品送来让我看看。 因为他正筹备举办一次个人书画展,并把作品出版一本集子,即将付梓,嘱我写点意见,并也作为序言吧。 杨中文这个名字,我在书画界尚少听到。 或许因为退职挂名,自己年老目昏,少过问当前书界活动的缘故,难免孤陋寡闻。但也有另一种情况,就是有许多真正有志并潜心于探索与创构优秀艺术作品的年轻艺术家,不那么急功近利,不大自我宣传的原因。 在我们这个时代有太好的媒体信息传播手段,也有方便迅捷的出版方式和渠道,良莠不齐,人才庸才并存、艺术与垃圾共处的现象,在书法界尤其热闹。而不善于自我推销和张扬的艺术探索者就很不大为人们所注目。 中文是因为不太见诸媒体,还是因为只是我的漠然才不知情,都并不要紧。因为自古以来,艺术家奉献于时代的,是他的作品,而不是抄作。 我抽空把中文的书画作品认真读了几遍,还是就作品论人吧。 中文的书画,以隶书和行草为主。 其隶书出自汉碑,汉碑为隶书之源,凡习隶书有成绩者,几乎无不是从汉碑入手的。只摹唐以后乃至今人隶体者,乃至故点蚕头,矫描雁尾,波磔做作,笔弱体呆,多成俗书,了无可取。 中文是一个来自豫东沃土,心怀报国丹心,热血澎湃的中原赤子。他经十多年部队训练的磨砺,长期感悟军旅人生,其风雨历程,铸就了一种北方男儿豪放的性格,所以在隶书的研习中,他主要宗师汉隶。 大汉之风曾横扫中原,立足天下,而隶书是汉朝盛极之艺术表象,亦是中原文化之核心。中文选择了隶书作为创作主体,并以汉隶为宗主,则表达了一种军人气质。 中国的两汉时代,在长达四百余年的历史长河中,奠定完善了具有奇丽浑朴,庄严厚重的隶书书写风格。达到了令后代难以企及的一个高峰。 直到清中叶以后考古风起,出土碑刻数以千记,从而有了碑学复兴之风影响及于现代。在汲取汉隶作为自我风格方面,中文以睿智的选择和择优的学习方法,遍临汉碑精华。 他把传统艺术根植胸中,熟悉掌握各种运笔技巧,谙熟各碑家法,其中尤以好大王碑古朴方正、沉着浑厚的结体作架,省略隶书波磔,参以楚简使转流利,自然随意的线条,结构造型奇诡善变,用笔坚定疾厉,斩钉截铁,势沉力雄,一气贯之,往往会令观者懔然而生敬畏之感。中文在隶书创作中大汉之风舒展明朗,潇散空灵之气溢漫于字里行间。 而在具体的结构和用笔方面,则又勇于探索新路,立意写出自家面目。他的结字,并未全依汉隶的端庄严整,而是随势流走,布白自由,字体大小错落变化,用笔则更显得自由奔放,从而有了许多的新意象。 他还汲取了汉简的随势波磔,篆书的中锋钢柔并用,乃至于行草的点画交错和侧锋灵动,时见章草波捺的态势。这些书法创新的创作方法,远远不受传统隶书的程式化的限制。 这样一种新艺术气象的追求,勿论如何是值得探索的。尽管我们也许认为尚不能称尽善尽美,但中文在走着自己的创作道路。 如果把以古为体和创新为用的探索之路走好走通,美的意象应该是可以期待的。 隶书之外,中文较擅长的还有行草。 说实在的,我对行草书有更多的偏爱,因而也难免有更多的偏见。手不莫高而眼光却很严酷。 当今中国书坛的“行草书”被两种“书法”(如果也真是行草书法艺术的话)搞的让人啼笑皆非。一种是大量的误把“写毛笔字”当作书法的“学者”充斥国中。 其“毛笔字”既缺乏传统功力,字中无帖意也无碑味,“任笔为体、聚墨成形”(孙过庭语),结字蠢笨,用笔滑俗。有的干脆不用笔而用手、用棍子,似乎中国人只要会用墨在纸上写汉字就可以是书法家。 另一种是充斥于当今各种“权威”书展甚至一再“获奖”的那种完全抛开传统审美感知的流行书风。这些“书家”有功力,但却故意搞怪,自我结体,偏锋横扫,以丑为美。 因为有人占据书坛,并累累以“金奖”鼓励“丑书”,结果一次大展,竞相比丑。不知中国书法还有没有历史文化的传承与审美观点。 我看中文的行草书,感觉他在传统临习方面是下过一番功夫的。他写的魏晋碑体正书,虽不能说很好,但也能笔笔到位,字字严紧,古拙而不失雅秀,是完全重传统的作品,可看出用功不少。 他的行草书尤以小品条幅见佳。其书结字秀美,细看几乎字字有古意,用笔洒脱灵动。 书写中时出险绝,但不怪诞,从而使整篇章法富于变化。去掉卷中险字,就十分清雅俊美,归之于传统一路,并毫无逊色。 然而无此中险境则难免单调,故通篇能在传统中生发出创新意象。有的作品能做到一起呵成,思维敏捷,行云流水,气势纵横,苍茫华滋,或题跋、或创作,常透出一种大家风度。 有的行草写得较稚拙,有较多的变体,其中夹有秦简汉碑笔法,又感到他是在意图追求一种时尚,偶有流行书风的探索和试验。这种探索只要把握好“度”,是可以开拓新意象的。 和当今那些因为自己是“名家”、“大师”而故意写“丑”唬人欺世的评委们不一样,中文有习汉隶的功底,若用之于行草,其艺术创作的道路当有进步。而中文以如此年轻而有这样的审美感受,是很可喜的。 中文作为一个年轻的艺术探险者,。 6. 画展前言的背景图用什么背景好 这要根据画展的内容而定: 1.中国画--益使用古朴的毛边纸效果,加上书法、写意花鸟或山水,以及印章等图案作效果,注意的是,图案都不能多,点到为止,带出意境即可。 2.油画素描展--可使用素描线描效果处理,结构画法的为佳。也可以用石膏像的局部,或者油画风景(要淡化处理,不能抢)。 3.设计作品展--抽象的图形最好,现代感越强效果越出彩。注意版式设计安排。 如果是综合展览,以上几种情况都有的话,最好使用抽象图形,做出招贴的感觉,符合时代感,引起受众关注。但都要注意,不管那种方式,都要主次分明,背景始终只是背景,要起到烘托前言的作用。偶是这个专业的,在大学里做过几次画展,现在工作了,还是作画展,积累了一点经验。其实最重要是新颖、独特,才能收到预期效果。祝你成功!

展览的序言

序与序言之间的区别在于:

1、语意思相近而各不同

【序】 次第:顺序。秩序。次序。工序。程序。序数。

排列次第:序次。序列。

开头的,在正式内容之前的:序言。序跋。序曲。序幕。序论。

古代指送别赠言的文字。

指季节:四序。

古代地方办的学校:庠序。

【序言】(叙言)xùyán [名]序文。

【叙言】xùyán 见[序言]。

【序文】(叙文)xùwén [名]一般写在著作正文之前的文章。有作者自己写的,多说明 写作宗旨和经过。也有别人写的,多介绍或评论本书内容。

【叙文】见[序文]。

【绪言】xùyán [名]发端的话:绪论。

【绪论】xùlùn [名]学术论著开头说明全书主旨和内容等的部分。2、适用范围不同

序使用范围广。比如著作、展览等等。序言一般只用作著作,当然在古代还有赠序。3、介绍不同

序一般只是说明经过,介绍内容;序言还经常有述评、赞美之类。

序的写法

通常用来说明作者的创作意图和写作经过。也有他人代写的,多用来介绍和评论本书内容。常见的有作者序、非作者序言和译者序三种。

作者序是由作者个人撰写的序言,一般用以说明编写该书的意图,意义,主要内容,全书重点及特点,读者对象,有关编写过程及情况,编排及体例,适用范围,对读者阅读的建议。

参考资料来源:百度百科—序

参考资料来源:百度百科—序言

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